2020年07月11日

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.07.09

 ミュージック・アドヴァイザー秋山和慶が先月に続いてセンチュリー響に登壇(2020.07.09。シンフォニー・ホール)。
 1曲目はヴェーバーのオベロン序曲。間隔を広くあけて着座しているため、冒頭の日高剛のホルン・ソロと伴奏の弦楽器との間に文字通りの距離があり、「遥か彼方から聞こえてくる角笛」という雰囲気がいっそう強化された。この効果は木管群が加わってからも同じで、離れたところにいる妖精たちと声を交わしあっているような印象を受けた。主部に入ってからも、離れて着座した各奏者がしっかりと音を出しているためか、実際の人数以上に充実した印象の肉厚な響きが出ていた。
 2曲目は今日もっとも楽しみにして来たショスタコーヴィチのチェロ協奏曲第2番で、独奏は俊英・佐藤晴真。冒頭、チェロのソロで、涙が一滴こぼれ落ちるような下降音型を核とする動機を弾き始めると、それがオーケストラに受け継がれ発展する。そのメロディーのタコ臭くてグロテスクなこと!まさにショスタコを聴く至福だ。第1楽章はラルゴの遅い音楽だが、荒井英治率いる弦の伴奏のシンコペーションの生気のおかげで程好く動的。グロテスクな容貌はそのままに、おもちゃ箱のように猥雑な軽快さを持った音楽に豹変する場面では、先日リバイバル上映を観た『AKIRA』の、可愛いクマの縫いぐるみが強大な怪物に変貌する場面を思い出した。もちろん両者に関連はないだろうけど、ショスタコーヴィチの音楽は映像的だ、ということが表れていると思う。そして、晩年のこの作品にはショスタコーヴィチならではの様々な要素が溶け合っているのを感じる。大太鼓の印象的な連打は、マーラー10番へのオマージュではないだろうか。そして終盤の打楽器群による死を刻む時計は、明らかに自身の4番シンフォニーの引用であり15番シンフォニーの先取りだろう。この打楽器をロングトーンで支えながらやがて孤高に姿を現す最後のソロ、佐藤の凛としたクレッシェンドは、冒頭の涙の音型が逞しく変貌した姿に見えた。全体として、佐藤もセンチュリー響も、ショスタコーヴィチならではの乾いた美しさを見事に表現していた。たとえば日高のホルンは、ヴェーバーでの柔らかな音色とは全く異なるテヌート重視の音質で、音楽の構造が生々しく眼前に展開するようだった。そして佐藤のソロも、時として深々とした低音を聞かせつつも、基本的にはホールの残響と敢えて手を切るような乾いた音色で、ショスタコーヴィチの厳しさを表現していた。見事である。
 しかし佐藤の表現者としての力量がさらに遺憾なく発揮されたのは、アンコールの『鳥の歌』だったかもしれない。美しい楽器の音というよりも、むしろ腹の底から絞り出した肉声のような音をホールに満たした。思うにウィルス禍が悲しいのは、病気の流行というだけでなく、そのことが人類の醜さとおぞましさをあぶり出してしまったからではないのか。この悲しみは、カザルスが感じた悲しみと同類だろう。ホールを満たしたチェロの音に、世界に対して青年が直截に感じている思いが発露していたのではないかと感じた。そして、今日のこの歌の中には、淡い淡い希望がこもっていたようにも思われた。
 休憩をはさんで後半は、メンデルスゾーンの交響曲第3番『スコットランド』。シベリウスを得意とする秋山なら清涼な演奏を楽しめるだろう、と期待したが、その予断がいかに一面的に過ぎないものだったかを思い知らされる超絶的な名演だった。秋山は各楽章の主要主題を静謐に寡黙に演奏したが、これによって僕たち聴衆はいつも以上に注意深く耳を傾けることになる。そして、このスタイルの真の効果が生きたは再現部であった。再現部も同様に静謐に演奏されるが、提示部には無く再現部にだけ加えられた副旋律が、妖艶な光を放って僕たちを魅了したのだ。注意深く提示部を聴けたからこその、再現部の感動である。ソナタ形式を見事に生かしたメンデルスゾーンの作曲の技と、それを見事に再現した名匠・秋山の双方に感嘆した。また第2楽章では、距離を取って着座したことで、冒頭の応答が四方八方から木魂が聞こえるかような面白い効果を出していた。またこの楽章では、フル・オーケストラで主題を演奏する部分の迫力が凄かった。今までこの部分は「ホルンにこんな無茶をさせるのか!」という印象ばかりが強かったが、今日はホルン以上に安永友昭のティンパニの轟音が衝撃的。結果、旋律線の動きが不明瞭になるが、この場面はメロディーを聞かせる箇所ではなく轟音の迫力を聞かせる場面、いわばベートーベン9番のフィナーレ冒頭と同じだ、と納得した。ベートーベンがそうであるように、メンデルスゾーンも永遠に前衛的な音楽だと実感した。しかし今日の圧巻は何といっても、フィナーレのコーダだ。主部のテンポからすると明らかに遅いテンポで、覇気のある充実した音楽を堂々と進め、程好く加速しながら希望にあふれた生命力を持って終わった。
 前半プログラムの終わりが青年の発した悲痛な告発であったとすれば、後半プログラムの締めくくりは老巨匠による「大丈夫だよ」という回答であったように感じた。人類の未来が大丈夫である保証はどこにもない。しかし、忌まわしい排斥の歴史を生き延びてきた作品を、人生の大先達が指揮して「大丈夫だ」と語らしめたのだ。信じてみても良いのではないか、という気がしてきた。

posted by シャーリー at 08:02| Comment(0) | 遠藤啓輔のコンサート日記 | 更新情報をチェックする

2020年07月01日

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.06.29

 センチュリー響に、ミュージック・アドヴァイザーに就任した秋山和慶が登壇しベートーベンを演奏(2020.06.29。シンフォニー・ホール)。第1ヴァイオリン8人型のオーケストラを、各奏者の間隔を広く開けて配置していたが、センチュリーはもともとどんな曲でも少ない人数で対応する楽団なので、ウィルス禍前と視覚的な違和感があまり無い。ただし、内側に陣取る第2ヴァイオリンとチェロのみ、一昨日の関西フィルと同様に第1プルトが首席一人になっていた。管打楽器は、雛壇上には木管とティンパニのみを乗せ、平土間にホルンとトランペットをステレオ配置にしていた。
 秋山は、例えばウォルトンの大曲やオネゲルの難曲におけるパーフェクトな名演も記憶に残る一方、独特の色彩感を見事に描き起こしたシベリウスも思い出深い。そうした秋山らしいベートーベンで、前衛的な和声を滋味深く響かせ、鷹揚な歌を基調にしつつも要所をかっちりと締めていた。センチュリー響もこうした秋山の表現を見事に実現していた。後藤龍伸率いる弦楽器が連続ダウン・ボウを印象的に演奏し、硬質なポイントを形成していた。また、広く分離していることでかえって弦の各パートが明瞭に聞こえ、特に骨格形成で重要な役割を果たす池原衣美率いる第2ヴァイオリンの存在感が光った。管楽器では特にホルンが表現の多様さを見せ、木管に柔らかく溶け込んだかと思えば、金属的な咆哮でシモテから威圧もする。また、2番・三村総撤の底力のある低音から、1番・水無瀬一成の甘美な高音へのソロのリレーでは、ベートーベンがホルンの多彩な音色を生かしてオーケストレイションしていることが良く分かった。
 1曲目は伊藤恵の独奏でピアノ協奏曲第4番。第1楽章冒頭の伊藤の柔らかな音が最初の波紋となり、それが湖面で美しく乱反射するような印象を受けた。第2楽章は逆に、オーケストラの厳めしい動機を発端にして伊藤との応答となっているのがよくわかり、第1楽章と第2楽章がポジとネガの関係になっていることに唸らされた。伊藤は軟らかい表現での瑞々しい響きも素晴らしいが、何よりも、覇気のあるパッセージにおいて華があるのが印象的だ。そしてフィナーレでは、北口大輔のチェロ・ソロの深々とした音色が圧倒的だった。前述の通り首席が一人目立つ配置だったので期待してはいたのだが、まさかこれほどまでの存在感が出るとは!
 伊藤のアンコールはシューマンのトロイメライ。インテンポの演奏で、こうしたスタイルだと要所を締める和声の斬新さがかえって引き立つ。
 休憩後は交響曲第3番。冒頭の2発の後、ほんの少しだけ溜めて第1主題に入った。ここで予告されたとおり、テンポに自由さを持った演奏だった。また、第1主題を3拍目を強調して歌いうなど、旋律の歌い方にも躍動感があった。圧巻は第2楽章で、フーガが躍動感にあふれていた。安永友昭の動的なティンパニの生命力にも大いに興奮させられた。
posted by ひつじ at 21:12| Comment(0) | 練習風景 | 更新情報をチェックする

2020年06月28日

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.06.27

 関西フィルに鈴木優人が客演指揮(2020.06.27。シンフォニー・ホール)。もともと人数が少ない関西フィルの弦楽器がさらに奏者を絞り込み、市松模様状に着座することで演奏者同士の間隔を確保。よって第1プルトは首席奏者ばかり4人ということになるが、オーケストラは弦楽四重奏の拡大形だということを視覚的にも再認識できた。そもそも関西フィルは、指揮者の個性に合わせて響きを切り替えるカメレオンのような器用さが武器だと思う。今日はバッハ演奏に定評のあるマエストロのもとで、一時的にバロック室内楽団に変貌することでウィルスの流行に対処したと言えよう。昨日聴いた大阪フィルは(関西フィルとは正反対に)、創立者・朝比奈隆が醸成した重量感のある響きを恒に変えないのが唯一無二の個性であり、総力戦での演奏スタイルを維持したのも当然の判断と言える。危機的状況への対処の仕方に、各楽団の個性と魅力が反映していて興味深い。
 1曲目はモーツァルトのドン・ジョヴァンニ序曲で、これが今日最大編成の作品。亡霊の場面に由来する冒頭を凶暴にグロテスクに表現し、スフォルツァンドの衝撃も凄みがある。一方で、主部は躍動的なリズムを鋭く演奏し生命力を出す。トランペット(池田悠人・白水大介)のみ古楽器(無弁で、おそらく指孔有りの長管トランペット)を使用。明る過ぎない肉厚な音色が、オーケストラに馴染みつつも存在感を出していた。
 2曲目はやはりモーツアルトの交響曲29番だが、鋭角的だった序曲とは打って変わって滑らかで柔和な演奏。管楽器がオーボエとホルンのみという、弦楽器主体の作品だからということもあろうか。その弦楽器は、人数が少ない分、個々の奏者がクリアな音色で演奏し、柔和な流れの中にしっかりとした骨格を作り出していた。特にモーツァルト演奏の柱となる「刻み」が粒立ったことで、音楽に推進力が貫通していた。とりわけ中島悦子率いるヴィオラは、まるで天空に向かって刻みを吹き上げているようにさえ感じられた。弦楽器は古典配置を取ったが、これがモーツァルトのオーケストレイションの見事さを引き立たせる。増永花恵率いる第2ヴァイオリンの少し沈痛な主旋律に、岩谷祐之率いる第1ヴァイオリンがきらめくような副旋律を添える場面は劇的ですらある。きらめきと言えば、全体的に装飾音符がくっきりと表現され、これも音楽にきらめきを添えていた。また管楽器は、例えばメヌエットでの狩の表現などが力強く印象的で、限られた素材から最大限の効果を引き出すモーツァルトの凄さを感じさせた。
 休憩をはさんで、シューベルトの人気曲の一つである交響曲第5番。モーツァルトよりも木管の編成が増えたことで、色彩感の多彩さとポリフォニーの面白さが印象的になっている。僕がシューベルトの偉大な個性だと思っているメロディーの不気味さと打ち付けられる音響の凶暴さは、この少年時代の作品でも顕著に聴かれ、天才はやはり少年時代から天才だった、ということを改めて思い知らされる。今日とりわけ印象的だったのは第2楽章で、あらゆるフレーズが半音の上昇によって締めくくられていた点が、バッハのマタイ受難曲を思い起こさせた。シューベルトの5番は何度も聴いたはずなのに、マタイとのつながりが見えたのは今日が初めてだ。これぞバッハ演奏の大家・鈴木ならではのシューベルトと言えようか。ただしひょっとすると、僕自身が自分でも知らないうちに、バッハの音楽に救いを求めているのかもしれない。
posted by ひつじ at 22:18| Comment(0) | 練習風景 | 更新情報をチェックする