遠藤啓輔のコンサート日記(2024.01.18・19)

　音楽監督の尾高忠明が大阪フィルを指揮してブルックナーを演奏。我らが岩井先生ももちろんご出演(2024.01.18・19。フェスティヴァル・ホール)。

　1曲目は武満徹の『波の盆』。ティンパニやファゴットを使わない軽めの編成を活かした、明るく柔和な音作り。旋律や響きの美しさは、晩年の傑作『Family Tree』を先取りしている。旋律がちょっと不思議な音の跳び方をする点や、根音でない音を強調する和声の鮮烈な色彩感（特に最後！）も同様だ。弦楽のみの素朴な響きを主体にするが、ここぞという聴かせどころ(泣かせどころ)のメロディーには、伊藤数仁のホルンを静かに加えるなど、オーケストレイションが繊細。ヴィオラのハーモニクスやシンセサイザーなどの効果音も良い雰囲気を出している。全曲の中央でのみラッパ隊が加わって快活になる構成は、マーラー『大地の歌』のようで面白い。武満の音楽は、ひとつひとつのフレーズを丁寧に歌い収めてから、次のフレーズを歌い始める。この特徴はブルックナーとも共通しており、ブルックナーと武満をカップリングする尾高の見識の高さに唸らされた。

　そのブルックナーの交響曲、今日は僕が特に偏愛するナンバーの一つである6番。

　冒頭の変形ブルックナー・リズムからして、猛然たる推進力に驚かされる。主題が始まり、フル・オーケストラによってそれが確保されてからも、巨大なフェスティヴァル・ホールを存分に満たすような密度の高い響きで、やはり圧倒的な生命力を持って突き進む。中期の総決算と位置付けることも可能な6番を、作曲家としての壮年期とも言うべき若々しさと気迫に満ちた作品、と尾高が位置づけているのだろうか。

一方、この爆発力のある怒涛のエネルギーは、細部の表現を精緻に磨き上げたからこそ実現したのだと思われる。例えば低音で始まる冒頭の主題は、メッサ・ディ・ヴォーチェによる強弱の表情がつけられているが、それを自然な抑揚を持って表現し、歌に生命力を与えていた。また、ブルックナーはテンポを変にいじると音楽が矮小化してしまうが、かといって杓子定規なテンポのままでは音楽に締まりがなくなる、という難しさがある。今日の尾高のテンポは、主題部分のテンポは変化させずに保持する一方、主題と主題を繋ぐブリッジ部分で軽くルバートをかける、というスタイル。これによって、一定したテンポがもたらす安定感と、イン・テンポから解放される一瞬の気安さ、の双方を実現していた。特に唸らされたのは、全曲の締めくくりである第4楽章のコーダ。低弦のピッツィカートから始まるブロックではテンポを上げてかなりの快速で進むが、第1楽章第1主題がトロンボーンによって回帰する最後の部分に入るとやや遅めのテンポに切り替え、堂々たる重量感をもった終結を実現した。この最後の部分は、あまりにもテンポが遅すぎると締まりのない音楽になりかねない。この部分に入る前のブロックを速いテンポで演奏することによって、最後のブロックの「遅く堂々とした」イメージを実際の遅さ以上に印象付けることに成功したのだ。

尾高のテンポ設定は、作品の構成理解の上でも効果を発揮した。主題を3つもつ複雑な両端楽章について、第1・第2主題を一体感を持ったまとまりとして把握する一方、第3主題は屹立するような存在感を持って演奏し、構造把握を容易にしていた。

自発性に溢れた大阪フィルの演奏スタイルも、ブルックナーの音楽に生命力を与えていた。特に印象的だったのは白眉である第2楽章で、ヴィオラ首席の井野邉大輔とチェロ首席の近藤浩志が、にこやかにアイ・コンタクトを取りながら、可愛らしい動きをする伴奏を弾いていた。伴奏からしてこれだけの生命力があるのだ。音楽に厚みが出るわけである。そして、同じ第2楽章では、第2主題でチェロが軽くディミヌエンド気味に弾き、これも歌に自然な使命力を与えていた。また、第1楽章の第2主題部のように、伴奏と主旋律がズレるようにわざと書かれたブロックも、各セクションが生き生きと自発的に演奏する大阪フィルだからこそ効果的な演奏ができる。

第1楽章では、フル・オーケストラの豪快な鳴りが、静かな部面の美しさをも惹き立てた。特にコーダにおけるホルンとトランペットの呼び交わしでの、静かで柔らかな表現が印象的だった。

第2楽章は、終盤の肝であるフルートとクラリネットのユニゾンの動機を、オーケストラ全体の透明な響きによって神々しさを惹き立てていた。この動きを受け止めるヴィオラの上行音型も、井野邉のリードによって静かに力強く決められた。

　第3楽章のスケルツォは、フル・オーケストラで暴れ出す部分でのロー・ブラスの動きに驚かされた。トロンボーンが下降音型なのに対し、テューバは上昇音型なので、ロー・ブラスの中だけで十字架を描いているのがくっきりと見えたのだ。村祭りと信仰が一体不可分となったブルックナーらしい音楽といえるが、これがクリアに浮かび上がったのは、福田えりみと川浪浩一の技術があってのことだろう。

　第4楽章もトロンボーンが印象的だった。第1主題から派生した、リズムは単純だが複雑に上下する動きが頻出するが、グレゴリオ聖歌のように厳粛な存在感があったのだ。

遠藤啓輔のコンサート日記

　下野竜也が東京都交響楽団を指揮(池袋の東京芸術劇場)。

　前半は津田裕也のソロでモーツァルトのピアノ協奏曲第24番。ソロ、オーケストラ共に柔らかな音色で、掛け合いのテンポ感にも一体感のある演奏。単に美しいだけでなく、転調によって不穏さを増した場面では、柔らかさはそのままに色彩にだけ恐ろしさを加える。モーツァルトの凄みを改めて感じた。

　後半はブルックナー交響曲第1番のヴィーン稿。東京に向かう新幹線の中でスコアをめくりながら、ヴィーン稿は年代が近い9番に似た要素が多いことを再認識。ブルックナーは1番の改訂を通して壮年期の自分と対話し、その若いエネルギーを9番に注ぎ込んだのでは？と邪推した。そんな先入観を持ちながら聴いたせいか、前衛的な和声の毒々しい存在感、という9番と同様の印象を、1番ヴィーン稿でも受けた。スケルツォの最後に追加されたトランペットの音型も、まさに9番に引用されるものだ。一方、後期交響曲のスケルツォには全く無くなった、トリオからスケルツォ主部への変化やコーダなどの面白さも印象的。自分のスタイルから捨て去ってしまった形式を、初期交響曲に再度向き合うことで懐かしく楽しんでいるようにも思われた。

　下野は他にも、ヴィーン稿に特徴的なホルンの活躍を豪快に鳴らして強調。そして、やはりヴィーン稿に特徴的なテンポの雄大な変化を、下野らしい自然な流れを持って表現。とりわけテンポを遅くした時の落ち着いたおおらかさが素晴らしい。

　下野は指揮するオーケストラによっては薄い響きになることもあるが、今日の都響との演奏は、弦を中心に分厚い堂々たる響きを作っていた。特に全曲の終わりでは、分散和音を演奏するヴァイオリンと細かく刻む低弦とが層を成しているのが見えるようだった。やはり都響はブルックナーを演奏するのに長けたオーケストラだ。今年の都響はブルックナーの注目すべき演奏会が目白押し、楽しみだ。

遠藤啓輔のコンサート日記（2024.01.12）

　首席指揮者の飯森範親が日本センチュリー交響楽団を指揮して、傑作2曲をカプリングした垂涎の演奏会を敢行（2024.01.12、シンフォニーホール）。

　前半はショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲第1番。三浦文彰の独奏はとりわけ、遅く重々しい第3楽章での表現で凄みを発揮。低音の鳴りが素晴らしく、声を出さずに悲痛な訴えを伝えようとしているような寡黙な表現。快速のフィナーレでもその悲痛さは継続、行き先が地獄だと分かっているのに爆走するバスに乗せられてしまったかのような印象を受けた。オーケストラも説得力のある表現。たとえば、第3楽章冒頭を驚くほど堂々としたフォルテで演奏していたが、この主題がフィナーレで木琴によってけたたましく叩かれた時、綿密なループが作られていることに唸らされた。

　後半はブルックナー交響曲第3番の、僕が最も愛する初稿！　初稿で聴くのは今日で7回目だが、今まで聴いた初稿演奏は快速テンポによるものが多い。初稿の前衛性をより強調しようという意図なのだろう。しかし今日の範親による初稿は、有りそうで少なかった、ゆったりとしたテンポによる穏やかな演奏スタイルだった。そして、機能的で精緻なイメージが強いセンチュリーとしては珍しく、緩やかに纏まったおおらかな演奏。センチュリーの新たな魅力を引き出した演奏としても特筆されよう。

　冒頭、ヴァイオリンの分散和音、低弦のメトロノーム、木管の保続音、そしてトランペットの旋律、という要素たちを、完璧に揃えるのではなく、それぞれ生命を持った各要素がおおらかに集まってふくよかな層を成しているような表現。このスタイルはとりわけ第1楽章の第2主題で効果を発揮し、優しく温かな印象を与えた。初稿を使用したことの効果は、宗教的雰囲気の醸成へと繋がっていた。範親が以前、1番の初稿(リンツ稿)を指揮した時、「まるで歌詞の無いミサ曲のようだ」と感じて好感を持ったが、今回も同様の好感を持った。讃美歌の詠唱、聖職者による語り、オルガンの響き、といったミサの情景、そして、聖堂の外に広がる農村風景、それらがブルックナー休止という静寂によって「繋がれている」ように感じたのだ。トロンボーンの和声にトランペット1本、ホルンの和声にトランペット1本、という取り合わせでオルガンのように保続音を伸ばす場面では、小曲俊之の明るい音色が宗教的恍惚を演出しており、今日の演奏スタイルにふさわしかった。

　名手揃いのセンチュリーだが、今日は各人の妙技の凄さよりも、それらがまとまった総合力が印象に残った。たとえば須田祥子率いるヴィオラは、複雑な副旋律をクリアに弾いていたが、それが突出して聴こえるのではなく、ポリフォニーを豊かに厚くする要素として裏方の役割を果たしていた。2楽章や4楽章に頻出するシンコペーションも、ズレが響きの厚みと音楽のおおらかさに繋がっているように感じられた。

　弦楽器が古典配置されたことでブルックナーの工夫されたオーケストレイションがしっかりと生きた。たとえば、客席と逆方向に音が飛ぶ第2ヴァイオリンが曇った音で主旋律を弾いて、第1ヴァイオリンが装飾的な音を輝かしく添える場面で、とりわけ効果が発揮された。また、コントラバスがシモテに配されたことで、第2楽章でのトリルがよりはっきりと見えて、まるで地熱が静かに沸騰しているような面白さが出ていた。

　スケルツォにおける初稿独特のトランペットの動きを荒々しく表現、これによってブルックナーの野人的な一面を引き立てていた。また、テューバを使っていないオーケストレイションの効果は、第2楽章の（初稿に特徴的な）トロンボーンによるクライマックスで発揮された。テューバを使うと、それを橋頭保としてトロンボーンの音が低弦と馴染む。逆にテューバを使わないこの曲では、宗教的な役割を背負った3本のトロンボーンの特殊性が引き立ち、第2楽章のクライマックスが宗教的荘厳さを帯びていた。

　ブルックナー指揮者数多しと言えども、宗教音楽にもしっかりと取り組む人は意外と少ない。その稀有なブルックナー指揮者の一人である飯森範親らしい3番初稿を堪能できた。