遠藤啓輔のコンサート日記（2020.07.22・23）

　大阪フィルにブルックナーの響が帰ってきた！　指揮は飯守泰次郎。関西人にはおなじみの両者だが、この邂逅は僕には初めての体験。全国的にも注目を集めたのか、いつもは東京で会う音楽愛好者仲間と大阪で出会うという逆転現象も起きた（2020.07.22・23。フェスティヴァル・ホール）。

　1曲目はモーツァルトの『ハフナー』交響曲。冒頭の音を聴いた瞬間から、関西フィルでの飯守とは明らかに異なる音に驚かされた。指揮者によって響きを器用に変える関西フィルは、飯守が登壇した時は、噛めば噛むほど味が出る硬いパンのような渋い響を出し、このコンビならではの魅力となっている。対してどんな指揮者が来ても楽団独自の響を変えない大阪フィルは、飯守が指揮台にいても大フィルならではの瑞々しく深い響きを出した。結果、飯守ならではの力強い巨大な音楽の流れが瑞々しい響きによって生み出されるという初めての体験になった。今日はさらに、奏者間の隙間を大きくとって広く陣取っていたこともあって、木管楽器が音のカーテンを大きく広げているように感じられた。秋月孝之・高見信行のトランペットも、金管というよりもこの木管の響に要素として溶け込んでいた。

飯守のモーツァルトは旋律の歌い方に抑揚がある。例えば弦楽器は、冒頭のフレーズをダウン→アップで締めくくったが、ダウン・ボウでフレーズの頂点を作って、次のアップ・ボウで力をフッと抜いて収めるという動きが動的でかつ自然だった。テンポ変化も自然体のもので受け入れやすい。特に印象的だったのがメヌエット楽章。主部の末尾で楽譜には無いリタルダンドをかけ、「トリオを遅く演奏するのだな」と予測させる。そして予測通り、ゆったりとしたテンポでトリオを歌う。奇をてらわない安心感があるテンポだった。ちなみに再現された主部の最後も当然リタルダンドをかけるが、こちらは楽章の歌い収めとしての落ち着きを感じた。

　

　休憩ののちは、僕がとりわけ偏愛するブルックナーの交響曲第6番。全体として、モーツァルトのメヌエットで感じたのと同じ、予測させ予測通りに変化するテンポが、ブルックナーにおいても安定感と自然体の抑揚を実現していた。例えば第2楽章では、第1主題部と第2主題部を接続するホルンのアンサンブル（Bの直前）を少し加速し、「第2主題部は速めのテンポを取るのだな」と予測させ、実際その通りのチェロが歌いやすい速めの第2主題が流れた。このホルンによるブリッジは再現部には無いが、提示部で各主題部のテンポを体験済みなので、再現部でのテンポ切り替えも違和感無く受け入れられる。各ブロックを最もふさわしいテンポで固定して不用意に揺らさないというブルックナー演奏の鉄則を、ブリッジ部分のテンポに柔軟性を持たせることで実現していたのだ。大阪フィルもブルックナーに長けたオーケストラだけあって、各ブロックの描き分けが素晴らしい。例えば第1楽章において一人でブロックの締めを担当することがあるフルートの野津臣貴博は、最後の音を丁寧に歌い収めてその任を果たしていた。また、花崎薫、サイモン・ポレジャエフが率いるチェロ、ベースの伴奏が、どの場面においても推進力があり、ブロック内に一貫性を持たせる原動力となっていた。各楽器の単なるロングトーンの音それ自体が美しいのも、まさに大阪フィルのブルックナーだ。

　また、似たフレーズの繰り返しで、微妙にオーケストレイションが変えられていることが音楽に深みを与えるのに絶大な効果を持った。例えば第1楽章冒頭は、最初のフレーズは低弦だけで演奏し、同じリズムによる次のフレーズには藤原雄一・和久田侑希による３・４番ホルンの和声が重ねられ、ハッとするような響きの豊かさが付加されていた。たったこれだけの違いでも大きな効果をもたらすのだから、同じ第1楽章の第2主題の反復が、提示よりも立体的なオーケストレイションによって比類ない効果を上げていたのは言うまでもない。

　また、飯守は作曲者の個人像を思い浮かべながら演奏している旨を、プレトークなどで聞いたことがあるが、おそらくブルックナーについては、無粋だが憎めない田舎人、といったイメージを持って演奏しているのではあるまいか。演奏上問題となる第1楽章最後のモルト・リタルダンドは、そこだけカウントを細かく振ってしっかり急ブレーキをかけた。決して洗練された演奏ではないが、それがむしろ豪放磊落なブルックナーの立ち居振る舞いを思わせた。ブルックナーに特徴的な鋭いリズムにも武骨な印象を与える力強さがあり、やはり農村出身のブルックナーらしい地に根差した力強さを感じた。また、フル・オーケストラの巨大なフォルテとは対照的な、静謐な演奏も魅力的だったが、緊張感を強いられるような極限のピアニシモでは決してなかった。むしろ「寡黙」いった雰囲気で、穏やかさすらあった。これもブルックナーの純朴な人物像からのイメージなのかもしれない。

第1楽章は、第1主題部を貫くオスティナート・リズムをそれほど鋭角的にはせず、自然体の表現。主旋律の歌を飽くまでも重視していた。僕が大好きな最初のトランペット・ソロは、篠崎孝が肉厚の音色でクレッシェンドをかけていて雄弁。また、中村拓美のティンパニは音程が良いため、オスティナート・リズムを叩いてもトレモロと同様の下支え効果があった。また、金井信之のクラリネットが、伴奏においても音響の芯となる立派な音を出していたのが印象的だった。飯守は第2主題部を6つ振りに切り替えたが、テンポ的には第1主題部と一体のように流れる。むしろ第3主題部を屹立するように強調し、その圧倒的巨大さを一層印象付けた。天国的な終盤で重要な働きをする高見信行とガイルス彩乃（客演・PAC管）の2・3番トランペットも、篠崎同様に肉厚で丸みのある音で良い。

第2楽章は、冒頭のチェロ・ベースの下降音型が雄弁。大森悠のオーボエ・ソロは音色が肉厚で、雄弁な弦の音とよく合っている。Gの直前のブリッジ部分は、音の目立つ木管以上に、宮田英恵率いる第2ヴァイオリンと木下雄介率いるヴィオラの簡潔な掛け合いが印象的で、愛らしささえ感じた。その直後からの再現部はヴィオラ（もちろん我らが岩井先生もご出演）のトレモロの活躍が圧倒的だった。といっても、ヴィオラの音が前面に出るわけではない。ブルックナーとしては異例に弦のトレモロが少ない6番において、ブルックナーの命とも言える弦のトレモロを一パートだけで体現し、音響面では内声の厚みを実現し、視覚的にも気持ちの高まりを呼び起こす。静かな感動を呼ぶこの楽章の再現部が、ヴィオラのトレモロによって支えられていることが今日の名演で実感できた。楽章終盤では、第1ヴァイオリンの下降音型（145小節目）を、須山暢大のリードで感情が放出されるように雄弁に刻印。これが冒頭の低弦の下降音型の再現となり、説得力あるループが完成した。楽章終盤の静謐な木管のユニゾンは、フルート2人に首席クラリネットも加えた3人で演奏されていることの重要性に気付くことができた。交響曲第1番の発想であれば、この楽章のためだけにフルート3本を使おうとしたいところだろう。3はブルックナーにとって三位一体を示す聖なる数字で、この木管3本のユニゾンは神の降臨を示していると言えよう。そしてこれを受けて、今度は神を希求する祈りの主題というべき上昇音型が、今日大活躍のヴィオラによって存在感をもって示された（上昇音型は、冒頭の下降音型の鏡像とも言え、形を変えて冒頭へ帰ってきたという印象を与える）。そして最後にFdurの和声が、またしても聖なる数字である3回、優しく弾かれて閉じられる。信仰告白的なストーリーを持った楽章であることに気付くことができた。

スケルツォ楽章は先行楽章とは異なり、トランペットなどが鋭角的な音を出して楽章の個性の違いを描き出す。一貫性のある推進力の中にもマルカートとスラーの違いがしっかりと描き分けられ、それが色彩感の変化となって生きていた。トリオのホルン・トリオは鋭めのリズムで、武骨な田舎人としてのブルックナーに相応しい。Dの直前は、久住雅人・日比野希美のファゴットが雄弁なクレッシェンドをかけていて生命力があった。

　フィナーレは、冒頭のヴィオラのトレモロが第2楽章での活躍を彷彿とさせ、トレモロひとつで楽章間を超えたつながりを印象付ける。突然襲ってくるホルンとトランペットのフォルテは、びっくりさせるような表現ではなく、飽くまでも流れの上に乗っている。再現部のOで金管のフォルテシモが突然出てきたとき、この冒頭がOの伏線だったのだということを実感できた。その直後の高橋将純のホルン・ソロは、柔らかな音色でいながらリズムは鋭く武骨で、農村風の広大さと力強さとがあった。全体に速めのテンポ設定で、第3主題はさらに速いテンポを取る。だがそのおかげで、展開部の静謐な部分は少しテンポを緩めるだけでも強い印象を与えた。Qの直前のヴィオラに楽譜に無いクレッシェンドをかけるのは、アクセルを吹かすような効果がある（スクロヴァチェフスキも読響で同じ表現をしていた気がする）。改訂版的発想だが、トリオのファゴットが似た表現を印象付けていたので、その再演としての説得力があった。最後の圧倒的に巨大で輝かしい和声がフェスティヴァル・ホールの巨大な空間を満たしたのち、（2日目の演奏会では）幸福感に満ちた静寂に身を置くことができた。少なくともここには確実に、光があった。この先もどこかに光があると信じても良いのではないか、そんな気持ちになれた。

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.07.16

延原武春率いるテレマン室内オーケストラの演奏会（2020.07.16、中之島の大阪市中央公会堂・中集会室）。
　もともと人数の少ないテレマン管が、さらに人数を絞り込んだ。弦楽器は各セクション2人（低弦はチェロとベースで合わせて2人）。弦楽器の左右の背後に、木管を2枚リードとそれ以外とに分けてステレオ配置。中央奥にトランペットとティンパニ（この3人だけ古楽器を使用）が陣取る（今日のプログラムのベートーベンは終盤にファンファーレがあるので、中央から力強く聞こえてきて効果的だ）。そして、チェロとティンパニ以外の全員が起立して演奏した。
　1曲目はサリエリの『オーラス兄弟』序曲。木管は2枚リードのみ、金管はホルンを使わずトランペットとティンパニのみ、という面白い編成。全体の核となるトランペットのファンファーレの旋律線をオーボエで補強しているというのが今日の配置だと良く分かる。明るく若々しい作品で、理屈抜きで楽しむことができた。
　続いて、ベートーベンの交響曲の第1番と第2番を（休憩をはさんで）続けて聴くという贅沢なプログラムを楽しんだ。弦楽器と木管が同じ人数というこの編成でどんな響きになるだろうか、と興味惹かれたが、やはりベートーベンは凄い、この人数ならではの楽しさがあった。改めて聴いてみると、ベートーベンのオーケストレイションは弦楽器と管楽器を対比的に扱っており、「弦が管楽器に隠されて聞こえなくなる」という場面がそもそも無いのだ。ベートーベンの構築的な音楽の立派さを改めて思い知らされた。
　また、チェロが主旋律を弾く場面では必然的にソロになってしまうので、コンチェルトグロッソのような雰囲気になり、バロックから続く音楽の歴史上にベートーベンもいる、と感じられた。一方で、ティンパニの独立した扱いは第1番の段階で既に大胆であり、早くも「ティンパニ協奏曲」的な前衛性があった。
もちろん、テレマン管の演奏スタイルも良かった。音の出だしはクリアに立ち上げるが、その後はあまり音を張らずに中集会室の芳醇な残響に任せる。これによって音が混濁せず、少ない人数ながらもそれぞれのフレーズがくっきりと浮き上がった。このホールを使いこなしているこのオケならではの表現だろう。
　交響曲第1番では、第3楽章のトリオで第1ヴァイオリンをリーダー浅井咲乃のソロにしたのが効果的だった。もともと管楽器主体に書かれたこのトリオ、ハルモニームジークにヴァイオリン弾きが即興で一人加わったかのような楽しさが強調された。フィナーレの冒頭もやはり浅井のソロにしていた。渋く深い浅井の音色が、「東西東西！これから楽しいフィナーレが始まりますよ」と自慢の美声を響かせる弁士のように思われて、楽しいベートーベンの音楽がいっそう楽しくなった。疾走する主部に入ってからも、弦楽合奏を時おり首席のみの四重奏にするなどの遊びを見せた。一方でトランペットは臆することなく強力なスフォルツァンドを鋭く決めるので（野太い音が違和感なく少人数オケに溶け込むのは長管の強みだ！）、このダイナミクスの幅は巨大編成オケに勝るとも劣らない。
　交響曲第2番は、トランペットとティンパニを休ませた第2楽章の音響効果が印象的。クライマックスでは『田園』を先取りしたような幸福感を得られた。そしてこの音響効果の印象は、第3楽章のトリオにおいてビックリさせるようにトランペットとティンパニが入る意外性を強調する役割も果たしていた。
　制限下でのコンサートが始まってからベートーベンを聴く機会が増えたが、今日もまた、制限下だからこその面白いベートーベンを聴けた。ベートーベンの音楽はその強靭さが、制限が大きければ大きいほど光り輝くのかもしれない。アンコールでは、フルート奏者の一人がトライアングルに持ち替えてトルコ行進曲を演奏。楽しいコンサートを最後まで楽しく盛り上げてくれた。

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.07.09

　ミュージック・アドヴァイザー秋山和慶が先月に続いてセンチュリー響に登壇（2020.07.09。シンフォニー・ホール）。
　1曲目はヴェーバーのオベロン序曲。間隔を広くあけて着座しているため、冒頭の日高剛のホルン・ソロと伴奏の弦楽器との間に文字通りの距離があり、「遥か彼方から聞こえてくる角笛」という雰囲気がいっそう強化された。この効果は木管群が加わってからも同じで、離れたところにいる妖精たちと声を交わしあっているような印象を受けた。主部に入ってからも、離れて着座した各奏者がしっかりと音を出しているためか、実際の人数以上に充実した印象の肉厚な響きが出ていた。
　2曲目は今日もっとも楽しみにして来たショスタコーヴィチのチェロ協奏曲第2番で、独奏は俊英・佐藤晴真。冒頭、チェロのソロで、涙が一滴こぼれ落ちるような下降音型を核とする動機を弾き始めると、それがオーケストラに受け継がれ発展する。そのメロディーのタコ臭くてグロテスクなこと！まさにショスタコを聴く至福だ。第1楽章はラルゴの遅い音楽だが、荒井英治率いる弦の伴奏のシンコペーションの生気のおかげで程好く動的。グロテスクな容貌はそのままに、おもちゃ箱のように猥雑な軽快さを持った音楽に豹変する場面では、先日リバイバル上映を観た『AKIRA』の、可愛いクマの縫いぐるみが強大な怪物に変貌する場面を思い出した。もちろん両者に関連はないだろうけど、ショスタコーヴィチの音楽は映像的だ、ということが表れていると思う。そして、晩年のこの作品にはショスタコーヴィチならではの様々な要素が溶け合っているのを感じる。大太鼓の印象的な連打は、マーラー10番へのオマージュではないだろうか。そして終盤の打楽器群による死を刻む時計は、明らかに自身の4番シンフォニーの引用であり15番シンフォニーの先取りだろう。この打楽器をロングトーンで支えながらやがて孤高に姿を現す最後のソロ、佐藤の凛としたクレッシェンドは、冒頭の涙の音型が逞しく変貌した姿に見えた。全体として、佐藤もセンチュリー響も、ショスタコーヴィチならではの乾いた美しさを見事に表現していた。たとえば日高のホルンは、ヴェーバーでの柔らかな音色とは全く異なるテヌート重視の音質で、音楽の構造が生々しく眼前に展開するようだった。そして佐藤のソロも、時として深々とした低音を聞かせつつも、基本的にはホールの残響と敢えて手を切るような乾いた音色で、ショスタコーヴィチの厳しさを表現していた。見事である。
　しかし佐藤の表現者としての力量がさらに遺憾なく発揮されたのは、アンコールの『鳥の歌』だったかもしれない。美しい楽器の音というよりも、むしろ腹の底から絞り出した肉声のような音をホールに満たした。思うにウィルス禍が悲しいのは、病気の流行というだけでなく、そのことが人類の醜さとおぞましさをあぶり出してしまったからではないのか。この悲しみは、カザルスが感じた悲しみと同類だろう。ホールを満たしたチェロの音に、世界に対して青年が直截に感じている思いが発露していたのではないかと感じた。そして、今日のこの歌の中には、淡い淡い希望がこもっていたようにも思われた。
　休憩をはさんで後半は、メンデルスゾーンの交響曲第3番『スコットランド』。シベリウスを得意とする秋山なら清涼な演奏を楽しめるだろう、と期待したが、その予断がいかに一面的に過ぎないものだったかを思い知らされる超絶的な名演だった。秋山は各楽章の主要主題を静謐に寡黙に演奏したが、これによって僕たち聴衆はいつも以上に注意深く耳を傾けることになる。そして、このスタイルの真の効果が生きたは再現部であった。再現部も同様に静謐に演奏されるが、提示部には無く再現部にだけ加えられた副旋律が、妖艶な光を放って僕たちを魅了したのだ。注意深く提示部を聴けたからこその、再現部の感動である。ソナタ形式を見事に生かしたメンデルスゾーンの作曲の技と、それを見事に再現した名匠・秋山の双方に感嘆した。また第2楽章では、距離を取って着座したことで、冒頭の応答が四方八方から木魂が聞こえるかような面白い効果を出していた。またこの楽章では、フル・オーケストラで主題を演奏する部分の迫力が凄かった。今までこの部分は「ホルンにこんな無茶をさせるのか！」という印象ばかりが強かったが、今日はホルン以上に安永友昭のティンパニの轟音が衝撃的。結果、旋律線の動きが不明瞭になるが、この場面はメロディーを聞かせる箇所ではなく轟音の迫力を聞かせる場面、いわばベートーベン9番のフィナーレ冒頭と同じだ、と納得した。ベートーベンがそうであるように、メンデルスゾーンも永遠に前衛的な音楽だと実感した。しかし今日の圧巻は何といっても、フィナーレのコーダだ。主部のテンポからすると明らかに遅いテンポで、覇気のある充実した音楽を堂々と進め、程好く加速しながら希望にあふれた生命力を持って終わった。
　前半プログラムの終わりが青年の発した悲痛な告発であったとすれば、後半プログラムの締めくくりは老巨匠による「大丈夫だよ」という回答であったように感じた。人類の未来が大丈夫である保証はどこにもない。しかし、忌まわしい排斥の歴史を生き延びてきた作品を、人生の大先達が指揮して「大丈夫だ」と語らしめたのだ。信じてみても良いのではないか、という気がしてきた。