2020年01月07日

♪遠藤啓輔のコンサート日記♪ 〜2020.01.05〜

 東京ユヴェントス・フィルハーモニーの演奏会を聴く(2020.01.05。ミューザ川崎シンフォニーホール)。指揮は音楽監督の坂入健司郎。

 このコンサートの存在は、昨年9月にブルックナーの墓参りに行った際、墓所であるサンクト・フローリアン修道院の寄せ書き帳に「テ・デウムを歌うのでやって参りました。この書き込みを見た日本の方、15日はぜひ、川崎に来て下さいね!」と日本語で書かれていたのを見て知った。これを見た以上、行かないという選択肢はあり得ない。敬愛するブルックナーの墓所を参拝した者同士、舞台と客席を共有できたことを喜ばしく思う。また演奏者の中には、かつてフィロムジカで一緒にブルックナーを吹いた仲間もいた。これまた喜ばしい。

 1曲目がブルックナーの『テ・デウム』。冒頭、石丸由佳のオルガンが畏怖を覚えるほどの轟音で、ブルックナーの作曲の動機に、神への感謝と同時に怖れがあったことを想像させる。これに比べると弦の「テ・デウム音型」は柔らかな表現で、今日の演奏の基調にあった「慈しみ」が反映されていたと言って良い。声楽ソリストの重唱になってからは、声楽の旋律線をなぞる木管の存在感に意義深さを感じた。単に音程や音量の補助をしているのではなく、声楽が表現している天使たちの影が雲に映っているかのような、重要な独自の役割を演じているように思われた。そしてア・カペラになると、中庸に始まったテンポをぐっと遅くし、人間の声の美しさをじっくりと聞かせた。テ・デウムはア・カペラ部分で緊張感が萎えてしまう演奏が散見されるが、今日はむしろ逆で、「声のみの部分にこそ伝えたいことがある!」というマタイ受難曲ばりの思い入れを感じさせた。この箇所以降、じっくりと歌う遅めのテンポで固定された。合唱によるア・カペラも同様に、一層テンポを落としてじっくりと語った。

 驚かされたのは、終止線ごとに完全に棒を下ろして曲を止め、分断された5曲からなる組曲風に演奏されたことだ。テ・デウムを聴くのは恐らく今日で10公演目ぐらいになるが、このようなスタイルは初めてだ。今まで聴いたあらゆる演奏はアタッカで続けて演奏していた。確かにアタッカで演奏した方が、音楽の緊張感が持続して良い。ただし、慣習を無視してスコアを素直に読むなら、今日のようなスタイルになる筈だ。そして、遅めのテンポですべての音を慈しむように歌う今日の演奏スタイルだと、1曲ごとに丁寧に曲を止めるのもまた相応しく感じる。また教会で行われるミサは短い讃美歌と説教との繰り返しなので、今日のスタイルは本来の祈りの音楽に近いのかもしれない。

 そのきちんとした休止の後に始まったTe ergo。弦楽器古典配置のために中央に陣取ったヴィオラの刻みが、ブルックナーの表現で重要である自然体のディミヌエンドを見事に効かせる。また、テノール・ソロとヴァイオリン・ソロの天国的重奏部分は、この両者だけでなく、トゥッティのヴァイオリンによる音色の支えが美しい効果を発揮した。前述の木管もそうだが、「裏方」の見事な仕事によって全体の美しさに深みが増していた。Te ergoの再現部ともいうべきSalvum facでも、裏方である合唱の弱音が素晴らしい仕事をしていたのは同じだ。

 白眉ともいうべきフーガでは、ソプラノ合唱の安定感のある真っ直ぐな声が良い。「ブルックナーは高音こそ大切」というのが僕の持論なので、大いに感動した。またトランペットが、前面に出るわけではないが埋もれることもなく響きの核を担う、という9番アダージョを先取りしたような難しい役割を、見事に演じていた。

 そしてクライマックスである7番アダージョとの共通主題部分では、再びソプラノ合唱が見事な演奏。高音のロングトーンを、がなりたてるような声でも張り詰めた声でもない、軟らかく温かい滋味深い声で歌ったのだ。慈しみに満ちた今日の演奏にふさわしいクライマックスである。最後はソリストも合唱に加わり、平明なハ長調の和声がミューザ川崎の素晴らしい音響の中に溶け切った後も、幸福な静寂が続いた。

 

 休憩をはさんだ後半はベートーベンの交響曲第9番。ブルックナーとは対照的な推進力あふれる快速で、両者の個性を明瞭に描き分ける。中でも快速だった第1楽章では、展開部の直前とコーダの直前の2箇所のみ、とてつもなくテンポを緩めた。これによって、「提示部展開部およびそれと融合した再現部コーダ」という3部構成が明瞭になり、ブルックナーにつながる「展開部と融合した再現部」を形成した先進性が強調された。木管による提示部第2主題はベーレンライター社版に拠っていたが、提示部と再現部が全く異なるこの版を使用したことで、提示部と再現部が全く別のブロックであることを強調する意味が出たと言えよう。

 第2楽章は、弦楽器を古典配置にしたおかげで、カミテから順に弦楽器がフーガを重ねていくという視覚的面白さを味わえた。また、朝比奈隆逝去後聴く機会が少なくなったリピートをすべて遵守する演奏で、リピート愛好者の僕としては嬉しい限り。これによって回数が多くなったティンパニのソロは、ケトルを2台しか使わないシンプルなスタイルで、地に突き刺さるような見事な音色を披露してくれて感動。クライマックスは、慣習的なヴァイオリンの変更はせずに木管とヴァイオリンを交錯させるスコア通りの演奏で、これまた僕好みで嬉しかった。最後の一音はスコアの記載通りに音量を抜き、次へ続く余韻を作った。

 チューニングと、合唱団の入場に続いて、第3楽章。この曲で唯一となる遅い箇所であることを強調し、時間が静止したかのような静謐さを重視。ただし第2主題は動的で、楽章内で緩急がついている。テ・デウムで首席を吹いたホルン奏者がベートーベンでは4番ホルンを担当していたので、この楽章の鍵となるホルン・ソロが実に素晴らしく決まっていた。クライマックスの後は、第2ヴァイオリンが実に硬質な音色で金管のエコーを演じた。古典配置のおかげで音が客席と逆方向に飛ぶことになるため、エコーの効果がさらに高まっていた。

 フィナーレ冒頭は、木管を増強していたこともあって、木管の主旋律の中に隠し味的にトランペットが潜り込む理想的な音響が聞かれた。そして素晴らしかったのは低弦のレチタティーヴォ。細かな強弱がつけられ、本当に語り聞かせているように聞こえてきた。これに続く合唱主題がトランペットも加わって賑やかになったところで、ソリストが舞台に入場。楽章中に拍手が挟まるのを防ぐ手段として妥当な判断だろう。合唱主題も第1楽章同様に快速で、vor Gottのフェルマータもあっさり切り上げる。これに対してトロンボーンが響きの中核を成す部分は、ブルックナーと同様のじっくりと遅いテンポで演奏。世俗的な賑やかさと、宗教的厳粛さとを、しっかりと描き分けているようであった。この楽章のみ活躍するシンバルは、基本的に小型のものを使っていたが、オーケストラのみによるコーダでは大型のシンバルに持ち替えた。合唱と重なる部分は歌を掻き消さないように小型のものを使用したのだろう。細部にいたるまで考え抜かれた演奏だった。

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2020年01月01日

♪遠藤啓輔のコンサート日記♪ 〜2019.12.28〜

 武満徹の作品ばかりを演奏するという至福の合唱コンサートを聴いた(2019.12.28。フェニーチェ堺・小ホール)。

 オープニングは武満自らが作詞した「小さな空」。旋律の跳躍に武満ならではの色合いがあり、「武満のメロディーは美しい!」と素直に感動。そして、武満の詞もまた素晴らしい。空を見ながら過去を回想する内容だが、つまりは時空の超越を歌った詞だと言える。最高傑作の『ファミリー・ツリー』を筆頭に、武満の作品は時空を超えた永遠性を感じさせるが、それは武満自作の簡潔な詞にも表れていた。武満の詞の簡潔な素晴らしさといえば、『〇と△の歌』も凄い。「地球は丸いぜ!」という至極当たり前のことを敢えて声にすることで、平和を愛したヒューマニスト武満の思いが見事に表れていた。

企画した小味渕彦之と指揮の西岡茂樹が要所でトークを入れており、これが実に的確でわかりやすい。この解説によれば、武満が書いた合唱のための曲は実は少ないとのこと。その数少ない合唱のための作品だという『風の馬』のインパクトが凄かった。女声のみ(2曲)、男声のみ、混声、の4曲構成で、そのほとんどが詩のないヴォカリーズ。女声の鋭さや男声の泰然といった、声それ自体の特性を見事に生かし、独特の和声を伴って複雑で魅惑的な音響世界が細密に織り上げられる。そして、詞(秋山邦晴による)がある第2曲は「羊を盗もうか?」という悪の囁きで閉じられ、ギョッとさせられた。

コンサートの中盤はピアノ伴奏が入ってのソロ曲。これらは、映画のための音楽などに由来するとのことだ。しかしそうだからこそ、武満の「歌」の数々には武満ならではの旋律の魅力が原色的に詰まっていると見て良いだろう。オーケストレイションの見事さに圧倒されがちなオーケストラ曲とはまた違った趣がある。武満の魅力は旋律の独創性にあるということを再認識させられた。

 西岡が指揮する合唱団はプロとアマチュアの混成によるこのコンサートのための合唱団とのことだが、前衛的な和声の色彩感と、感情が吹き上がるような底力のある表現が素晴らしい。僕にとっての今日のクライマックスは、『死んだ男の残したものは』だ。僕はこの作品が、人類史上の至高の芸術の一つに数えられると確信している。前奏のヴォカリーズから並々ならぬ怒りの感情が吹き荒れ、谷川俊太郎による凄みのある反戦歌を導く。「死んだ子供の残したものは、ねじれた脚と、乾いた涙」「死んだ兵士の残したものは、壊れた銃と、歪んだ地球。他には何も残せなかった。平和ひとつ、残せなかった。」。前世紀に作られたこの歌は、現代を歌う作品としてそのまま通用する。悲しいことに。

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2019年11月27日

遠藤啓輔のコンサート日記 〜ブルックナー8番2題〜

 ひと月の内にブルックナーの交響曲第8番(第2稿)を立て続けに聴くという、なかなか稀有な機会に恵まれた。

 まずはクリスチャン・ティーレマン指揮のヴィーン・フィル(2019.11.07。愛知県芸術劇場コンサートホール)。ティーレマンの演奏はこれまでに、これまたブルックナー8番(ハース版)ばかり2度聴いている。いずれも遅いテンポで一貫した堂々たる巨大な演奏であった一方で、そのテンポ感に「無理矢理遅くしている」という固さを感じさせた点に若干の不満もあった。対して今回は、基調テンポの遅さは従来と変わらないが、そこに無理矢理な印象を感じることはなく、自然な音楽感情の発露としてのテンポに感じられた。これは自発性の強いヴィーン・フィルとの協演であることが大きいかもしれない。例えばブルックナー休止から再始動する際に、ティーレマンは棒を止めたまま何の指示も出していないのに、オーケストラが弾き始める場面が多々あった。棒で完全にドライヴするよりも、こうした自発性に任せた方が、音楽の泉がジワリと湧き出すような自然さを感じさせる。

一方で、従来は大きなテンポ変化をしない点が特徴であったのに比べると、今回は要所で大きなテンポ変化を見せていた。特にスケルツォを除く各楽章の展開部でのテンポ変化が大きく、ここで場面が大きく転換するという印象を与えた。僕は、「ティーレマンはブルックナー8番から何がしかの物語を描こうとしているのではないか」という個人的印象を持った。その印象を強くしたのは、第1楽章展開部冒頭のホルン・ソロからだ。こうした管楽器のソロは、指揮者はキューを出すだけの場合が多い。しかしティーレマンは、一点一画にいたるまでこと細かに棒で指示を出し、ヴァーグナー由来のこの主題に人格を持たせようとしていたのだ。そうすると、この巨大な交響曲が、ホルンが演じた主題を主人公とする長大なドラマのように見えてくる。僕の印象としては、巡礼者を主人公とした道行きの物語のように感じた。しばしばブルックナー批判の対象となる雰囲気の唐突な変化も、主人公が道中で遭遇する困難や幸運ととらえられ、すんなり入ってくる。

私見では、故スクロバチェフスキはブルックナー8番の中に受難曲のストーリーを見出し、それを実現するために8番を繰り返し演奏し、最後の読響との演奏で実現したのだと思っている。ティーレマンも同様にブルックナー8番から巡礼者のストーリーを見出したのではあるまいか。指揮者としての道程がまだまだ長いティーレマン。今後もさらにブルックナー8番の巡礼を続けてほしい。

もっとも、こうしたストーリー的解釈を成功させた背景には、音楽の基礎構造を厳格に確実に演奏していたことがある、ということを強調しておきたい。とりわけ、低弦をシモテに配する古典派位置で肉厚な音を出していた弦楽器は、例えば金管楽器が主旋律を吹いている場面での伴奏にメリハリがあり、音楽に太い骨格を与えていた。また、響きの色彩感を決定する木管が、ファゴットを筆頭にしっかり鳴っていたのも頼もしかった。金管も、たとえば第1楽章提示部第2主題における3番トランペットのロングトーンなど、地味だが重要な役割でしっかりと仕事をしており、肉厚な音楽を作り上げていた。

 

曲全体の捉え方が印象的だったティーレマンの演奏とは対照的に、ズービン・メータ指揮ベルリン・フィル(2019.11.21。サントリーホール)は、各ブロックの表現が個別に印象に残った。

まず冒頭、トレモロの弓幅を敢えてプレーヤーごとにバラバラにする奏法(故チェリビダッケがしていた奏法で、今もミュンヘン・フィルに世代を超えて受け継がれている。「チェリビダッケ・トレモロ」と呼んで良いと思う)を採用。これによって、カオス的な雰囲気を効果的に演出していた。

通常ならリズムの鋭さが印象に残るはずの第2楽章は、この日はむしろ横の流れの繋がりが印象に残る個性的な演奏。チェロの主題をブルックナーの指示とは異なる返し弓を使ったのみならず、4小節単位からなる各メトリークの継ぎ目を滑らかに繋げることを意識していたように思われた。

逆に大河的なはずの第3楽章では、各ブロックの表情の違いがはっきり浮かび上がった。興味深かったのはヴァイオリン・ソロ。3人のユニゾンが指定されたこのソロを、コンサートマスター樫本大進のソロで弾き始め、途中から2人加わって3人のユニゾンにしたのだ。オーケストラ全体の音量が徐々に盛り上がることへの対処だろうか? しかし、樫本一人がソロイスティックに弾いている方が遥かに存在感があり、3人のユニゾンになるとむしろアタックが相殺されてオーケストラに溶け込みやすく感じられた。ブルックナーのヴァイオリン・ソロの扱いについて考えるうえで興味深い体験だ。ブルックナーはミサ曲第3番でもヴァイオリンの長大なソロを書いているが、その演奏スタイルを考える上でも面白い。

また、ベルリン・フィルの美しさが際立ったのはハープの分散和音に合わせて奏でられる弦楽器のロングトーン。目立ちやすい最高音よりも、むしろ中音域の音の動きを雄弁に響かせることによって、和声の変化がもたらす色彩の移り変わりを楽しむことができた。そうした静かな和声は管楽器も見事で、とりわけホルン・セクションは、首席のシュテファン・ドールだけでなく下吹きにも役者がそろっているだけあって、静謐かつ濃厚なユーフォニーを実現していた。

一方で、金管が咆哮する盛り上がり部分では、いかなベルリン・フィルといえども弦楽器の音が掻き消されてしまう。しかしながら、首席から末席までまったく手抜かりしない全身を使った弾きっぷりによって、視覚で音を伝えていた! とりわけ、古典配置のため中央に陣取ったヴィオラの激しい全身の動きからは、シンコペーションの伴奏がはっきりと「見えた」。

こうした視覚的にも音が伝わってくる表現は、ポリフォニーの極致とも言うべきフィナーレのコーダで特に効果を発揮した。第1楽章の再現であるトロンボーンの下降音型を中核に据えながらも、別の楽章の主題を担当する奏者が全身を使った演奏で加わる。とりわけ、それでなくても遠達性のある音を誇るフルート首席エマニュエル・パユが、激しい動きによって視覚的にも音を伝えていたのが印象的だった。

posted by ちぇろぱんだ at 18:43| Comment(0) | 遠藤啓輔のコンサート日記 | 更新情報をチェックする