遠藤啓輔のコンサート日記（2021.02.12・13）

　常任指揮者の尾高忠明が大阪フィルを指揮。我らが岩井先生ももちろんご出演（2021.02.12・13。フェスティヴァル・ホール）。演奏曲はブルックナーの交響曲第9番。僕はこの曲が人類の至高の創造物だと確信している。しかも、尾高が指揮するブルックナー9番は、僕の二十歳の誕生日を祝ってくれたコンサート（1993年12月10日、愛知県芸術劇場コンサートホール。東京フィル）ということもあり、特別な思い入れを持って聴きに行った。

　そして今日の大阪フィルとの演奏は、余計なことはせずブルックナーが書いた音符を愚直に信じて演奏した結果、ブルックナーの底知れない巨大な魅力が明らかになる典型のような名演だった。主題部が代わっても、フレーズの収めに入っても、テンポを濃密に溜めたり小節を付けて歌い込んだりせず、淡々と進行させる。楽譜に無いパウゼを入れることも無い。その結果として、ブルックナーのオーケストレイションの凄みがかえって明らかになったのだ。

愚直な演奏だからこその効果は、冒頭から既に出ていた。音量指定は同じピアノながら、音色は軟らかいが人数で勝るホルンの動機と、人数は少ないがティンパニで縁取られた（中村拓美の音色が良い！）硬質のトランペットの対比の妙味が、空間的広がりをもたらす。同様の空間的広がりはまた、全曲の各所で聴かれた。第1楽章提示部の第3主題直前では、やはり同じピアニシモの音量指定ながら金井信之のクラリネットよりも、ゲシュトップした高橋将純のホルンの方が遠くからの音のように聞こえた。そもそもからしてクラリネットは遠くにいるように聞こえる音色の楽器である（マーラー1番の冒頭が思い出される）。それよりも遠く感じるゲシュトップ・ホルンが空間的広がりをもたらす。一方、第3楽章K直前の大森悠のオーボエから高橋へのリレーもやはり広がりを感じさせるが、はっきりした音色のオーボエがフォルテで吹いてからピアノのホルンにリレーするので、第1楽章に比べると相対的に近くにいる印象を受ける。楽章によって距離感のヴォリュームが微妙にコントロールされた、ブルックナーのオーケストレイションの妙味が明らかになっていた。

第1楽章は、提示部全体を通して「なんぼなんでも淡々とし過ぎかな」という印象を少し持ったが、再現部に入ると、木管の保続音やホルンのカノンなどが加わった、提示部よりも明らかに厚いオーケストレイションの見事さが印象的に届いてくる。特に第3主題部再現部では、スタッカートの1番トランペット（篠崎孝）とスタッカート無しの2番トランペット（高見信行）の吹き分けが立体的な音響を生み出していた（ブルックナーは決して書き間違えていないのだ！）。

第2楽章もインテンポを貫徹した演奏で、スケルツォ主部の展開部と再現部のブリッジ部分でさえテンポを変えない。この結果、トリオからスケルツォ主部にダ・カーポした瞬間、輪廻する無限の小宇宙に取り込まれたような印象を受けた。トリオはせわしなく打ち込まれるピッツィカートに厚みがあり、大フィルの弦の音色はピッツィカートでさえ重厚だと改めて感じた。

第3楽章では、第1主題部のホルンとトランペットの天国的掛け合い部分で、間隙を繋ぐ弦楽合奏のブリッジを、チェ・ムンス率いるヴァイオリンが譜面どおりの刻みで（トレモロではなく）演奏。これがキラキラと輝くような印象をもたらし、金管の輝きの魅力を一層引き立てていた。このブロックではさらに、神を象徴するトロンボーンが響を支えていること、死者のイメージを体現した楽器であるヴァーグナー・テューバが使われていないこと、の意味深さも感じることができた。

また、種々の要素が各楽章を貫通している様相が浮かび上がり、巨大な有機体としての説得力があった。例えば、第1楽章の最終局面は、トランペットによる旋律的要素よりも、ホルンとトロンボーンによる伴奏リズムのオスティナートが圧倒的印象をもたらしていた。ホルン軍団とトロンボーン隊とが火花を散らして対決しているようであった（両者がステレオ的に配されていたことも好結果をもたらした）。大音響だが威圧的な印象は無く、地の底から（あるいは心の奥底からか？）自然に吹き上がってくるような力を感じ、第1楽章が終わった後、しばらく茫然自失状態が続いた。これに続く第2楽章には当然、究極のオスティナートとも言うべき同音連打がある。中村のティンパニが、熱さではなく冷徹さを前面に出していた。第3楽章では、カタストロフィでの6連符の無機質な非情さが圧倒的。このように各楽章を貫徹した冷徹なリズムによるオスティナートは、未完に終わったフィナーレの第1主題部においても打ち付けられる筈だったのだ。

　そして、ブルックナーで最も簡潔で且つ最も重要な要素である、上昇音型と下降音型が、各楽章を貫通して浮かび上がってくる様が見事であった。第1楽章Mの直前では、篠崎のトランペットが鋭めのアクセントで上昇音型を演奏。この変容形として、第3楽章のカタストロフィを導く上昇音型を、高見の2番トランペットが鋭く吹き上げた。このトランペットの上昇音型は、未完に終わったフィナーレにおいて、フーガの輝かしい締めくくりへとつながった筈だ。上昇音型はブルックナーにおいては、天を仰ぐ敬虔な祈り人の象徴であり、逆に下降音型は降臨する神の象徴であったように感じられる。しかるに9番のスケルツォにおいては、それらがグロテスクに変容している。実は今日の第2楽章は、同音連打にスポットを当て過ぎておらず、むしろその後のフル・オーケストラによるグロテスクな上昇音型や、福田えりみ率いるトロンボーンの悪魔的な下降音型の凄みがより印象的だったのだ。特に下降音型は、第2楽章ではグロテスクに変容してしまったものの、第3楽章の「生からの別れ」においては、自然の恵みを象徴する楽器である高橋のホルンと、死者を象徴する藤原雄一のヴァーグナー・テューバ、と交互に容貌を交替させる。大地や、そこに眠る死者たちのように思われた。下降音型はこのように、第2楽章で悪魔のように降臨してきたが、第3楽章では、柔和に姿を変え、そして未完のフィナーレではさらに、第1主題部末尾でトロンボーンの（悪魔ではない）温かい神の声となり、第3主題部でついに、喜びの象徴であるトランペットの輝かしい音色に豹変するという「結論」を見ることができたのだろう。

　また、全体として田舎じみた親しみやすさをも感じさせた。曲が始まって間もなくの、木管のアタックが朴訥としていて、ここで早くも「野人ブルックナー」を感じさせた。その後も、例えば第1楽章第2主題部のフレーズの頭を縁取るホルンの四分音符が、やはり朴訥としていて良い。第1楽章のコーダでは、テ・デウム音型による下降コラールを吹く木管楽器も、やはり朴訥とした味わいがあり、村人が祈りの言葉を述べているようにさえ思われた。大森と金井は2日目の開演前、チューニングが始まる寸前まで、この箇所の音程確認を執拗に繰り返していた。その成果がこのように生きたのだ！

　そして、音それ自体が美しい大阪フィルの魅力が、ブルックナーの音楽の魅力を一層引き立てた。第1楽章最大の難所R（再現部第1主題部末尾）は、大フィルが誇る弦の音色が濃縮されたようで、人間的温かさを感じさせた。これがやはり温かみのある第2主題再現部を導くのである。また、高橋のホルンや篠崎のトランペットは、静かなコラールでの渋い音色が良い。トランペット隊は3人の和声が良く、特に第3楽章J直前の天国的な弱音のリズムでは、遠くで鐘が鳴っているような音色を聞かせた。また、木下雄介率いるヴィオラや近藤浩志率いるチェロ、金井のクラリネットといった、人間の声に近い音域の楽器が、とりわけ温かい音色を聞かせた。第3楽章でのチェロ・ベースの支えはまさに「頼りたい！」と思わせる安心感がある。また、やはり第3楽章のカタストロフィの後、長い静寂から最初に立ち上がるヴィオラとクラリネットの温かい音が心に染みる。

　なお、「愚直な演奏」と書いたが、実は楽譜を随所で改変していた。全編で見られるのはボウイングの変更で、音楽の流れを重視する尾高らしく、（連続ダウン・ボウではなく）返し弓を多用。また、第1楽章再現部第1主題部のユニゾン主題直前のデュナーミクは、レーヴェ編曲版のそれを採用していた（尾高は前回の大フィルでの演奏でもそうしていた）。レーヴェ編曲版のデュナーミクは、第3楽章第1主題部の再現部でも採用されていた。いずれも、師ブルックナーを愛した弟子のレーヴェと、ブルックナーを愛する尾高の感覚に、重なる部分があったのだろう。僕自身はゴリゴリの原典版主義者だけど、彼らの気持ちもおおいに理解できる。極めつけは第3楽章の最後。原典ではピッツィカート3連打であるところを、レーヴェ編曲版を取り入れ、アルコの伸ばしを2回弾いてからピッツィカートを1回入れて納めた。アルコで弾く弦楽器に「1音のみのコラール」のような温かみを感じるので、原典版主義者の僕でさえ「レーヴェ版も捨てたもんじゃないな」と思っている箇所だ。ブルックナーにとって聖なる数字である「3」回のピッツィカートに、重要な信仰告白的意味があることに疑いはない。それを壊すものであるのにもかかわらず、今日の改変は尾高がブルックナーを愛し抜いた末に行きついたものなのだろうと腑に落ちた。敬愛するブルックナー博士に、誇りに思っている大阪フィルの弦のアルコを花束にして捧げたい。そのような思いが伝わってきた。

遠藤啓輔のコンサート日記（2020.12.12）

　未来の巨匠の出現に立ち会ったのかもしれない。関西フィルのベートーベン9番の公演は指揮者が文字通り二転三転し、当日登壇したのは28歳の若手、熊倉優だった（2020.12.12。シンフォニー・ホール）。

　開演前、弦楽器が古典配置に並んでいるのを見ただけでこの指揮者がこだわりを持った人物であることを期待させたが、演奏が始まってすぐに、その期待は確信に変わった。冒頭の動機の断片をやや伸ばし気味に演奏。この動機は、インパクトを重視して鋭く短く演奏する人もいるが、熊倉の今日のスタイルは「しっかり歌い込むベートーベンにします」という宣言のように思われた。実際、動機が旋律として形を取ると、予想通りテヌート気味にしっかりと歌い込んでいた。しかし、かといって濃厚な歌いまわしではない節度もある。いやむしろ、テンポ変化を全体的に軽めに済ませ、（各楽章の最後も含めて）フレーズの区切りをあっさりと切り上げており、全体としてはドライな印象も残る。つまり、しっかりと形を取ったメロディーと、ベートーベンらではの構築の簡潔な立派さを両立した演奏が実現していたのだ。提示部第2主題は僕好みのベーレンライター社版に拠っていたのが嬉しい。コーダでは松田信洋のホルンの素朴な音色が良い。

　第2楽章は今日の演奏の中でも出色の出来栄え。フーガの第1主題は、古典配置だとカミテからシモテに向かって順次弦楽器が加わる視覚的にも面白いオーケストレイションなのだが、意外と実演でその効果を感じることが無い。しかるに今日は、カミテからシモテへと音楽が積み重なっていく様相が（視覚的以上に）聴覚的に良く分かった。これは、第1楽章と同様にメロディーを丁寧にしっかりと歌い込む演奏スタイルだったため、順次加わる第1主題のそれぞれに存在感があったおかげだろう。第2主題は熊倉が喜びにあふれた表情で指揮していたのが印象的だが、木管群がその表情さながらに明るい音色で華やかに演奏していたのが印象的。リピート大好き人間の僕としては嬉しいことに、スケルツォ提示部はリピートをすべて実施。ティンパニ・ソロは中山直音が太く重々しい音でこの場面に求められる衝撃を遺憾なく表現。そして、スケルツォ主部のクライマックスと言うべき第1主題の再現は、弦楽器と木管楽器が異なる動きをする譜面通りのスタイルを取った。これが説得力を生み出した。譜面通りだと、一瞬ではあるが木管から弦楽器へという主役の交代が生じる。これが、弦楽器（第1主題）と木管楽器（第2主題）のこの楽章の2大主役の揃い踏みのような効果を出したのだ。いや、この直後にティンパニの乱打が入るので、3者揃い踏みと言うべきか。第1主題、第2主題、ティンパニ・ソロ、それぞれをしっかりと印象深く演奏したからこそ生まれた、説得力ある原典忠実主義だった。トリオは旋律の美しさを充分に堪能できる心地好さも備えた節度ある快速。とりわけ印象的だったのはオーケストラが管楽器だけになる部分。極限の静けさだが、かといって肩が凝るような緊張感は無い、リラックスした静けさを堪能できた。そしてトロンボーンが輝くクライマックスでは、ヴァイオリンが全音符で伸ばすブライトコプフ社新版と同じスタイルを取り、透明感の中にも重層感を実現。スケルツォ主部ダ・カーポ後のコーダは、最後の音にスフォルツァンドが無いことを重視した、軽く余韻を残す収め。徹頭徹尾、僕好みの演奏を実現してくれた。

　第3楽章は、アダージョとしてはやや速めのテンポ設定だが、そのぶん躍動感がある。そして、両主題部とも、岩谷祐之率いる弦楽器を中心とした歌い出しと、管楽器による合いの手、という応答によって構成されていることが強調されることになり、テンポ設定が音楽の流れの把握しやすさにつながっていた。そしてこの楽章でも、トリオにおけるのと同様の、ほぼ管楽器だけによる部分の静謐さが印象的だった。ここではさらに、弦がピッツィカートだけで加わっているところにベートーベンの前衛性が光っている。

　アタッカで入った第4楽章も説得力のある演奏。低弦のレチタティーヴォが語り掛けるような優しい歌い方で、先行楽章主題と対決しても、決して頭ごなしに否定するような印象を与えない。むしろ内省的に自問自答するようで、それが「歓喜の主題」を静かな感動を持って迎え入れることへとつながった。静謐に演奏された「歓喜の主題」は、特に星野則雄、河渕伸子の２本のファゴットの柔らかな音色が素晴らしい。そして静謐なぶん、トランペットが加わってからの祝典的雰囲気が強調された。そして、与那城敬の語り掛けるようなバリトンに続いて、本日の合唱団である関西フィル合唱団が加わる。関フィル合唱団は本日のテノール・ソロである畑儀文が指導する、宗教音楽に抜群の親和性を示す合唱団である。今日の熊倉の丁寧な演奏によく合った清澄な演奏を聴かせてくれた。「vor　Gott」はベーレンライター社版に従ってオーケストラのディミヌエンドは無かったが、簡潔な構築重視の今日の演奏に合っている。その後のトルコ行進曲は、熊倉の指揮者としての力量を特に感じさせた部分。右手の指揮棒付近を軽く動かして早めのテンポを示すだけで、全身を使った表現はほとんどしない。しかしそのことがかえって、リラックスした軽みのある音楽がプレイヤーから自発的に出てくることにつながったのだ。畑のソロはコミカルで、バッカスの祭典といった雰囲気。そして虎谷朋子のピッコロが存在感を発揮し、交響曲の中に異質なトルコ行進曲を挿入した面白さを強調していた。熊倉の力量はテンポにも表れている。このトルコ行進曲のテンポは、直後のオーケストラによるフーガ風の展開のテンポをも決定することになるのだが、早めのテンポを取ったことで、この箇所に畳みかけるようなスピード感が加わることになり、ベートーベンならではの立派な音楽を堪能できることになったのだ。ベーレンライター社版による意外性のあるホルンのシンコペーションに続いて「歓喜の主題」の大合唱になるが、さらに関フィル合唱団の特色が発揮されたのは、その後のトロンボーンとのアンサンブルだ。人数を絞って、マスクを装着したまま歌っていたこともあり、合唱の音量はオーケストラを掻き消すほどにならず、熊谷和久のバス・トロンボーンの音色がはっきりと聞こえてくる。これが、トロンボーンが表現する神の声が、合唱による言葉を伴って聞こえてくるようだった。宗教音楽を得意とする関フィル合唱団の面目躍如と言うべき名場面であった。声楽が歌い終えてからのオーケストラのコーダは、伴奏音型の段階差によって音楽の熱量を盛り上げ、構築重視の今日の演奏を最後まで一貫させていた。熊倉優のベートーベン9番、また聴きたい！

遠藤啓輔のコンサート日記（2020.07.22・23）

　大阪フィルにブルックナーの響が帰ってきた！　指揮は飯守泰次郎。関西人にはおなじみの両者だが、この邂逅は僕には初めての体験。全国的にも注目を集めたのか、いつもは東京で会う音楽愛好者仲間と大阪で出会うという逆転現象も起きた（2020.07.22・23。フェスティヴァル・ホール）。

　1曲目はモーツァルトの『ハフナー』交響曲。冒頭の音を聴いた瞬間から、関西フィルでの飯守とは明らかに異なる音に驚かされた。指揮者によって響きを器用に変える関西フィルは、飯守が登壇した時は、噛めば噛むほど味が出る硬いパンのような渋い響を出し、このコンビならではの魅力となっている。対してどんな指揮者が来ても楽団独自の響を変えない大阪フィルは、飯守が指揮台にいても大フィルならではの瑞々しく深い響きを出した。結果、飯守ならではの力強い巨大な音楽の流れが瑞々しい響きによって生み出されるという初めての体験になった。今日はさらに、奏者間の隙間を大きくとって広く陣取っていたこともあって、木管楽器が音のカーテンを大きく広げているように感じられた。秋月孝之・高見信行のトランペットも、金管というよりもこの木管の響に要素として溶け込んでいた。

飯守のモーツァルトは旋律の歌い方に抑揚がある。例えば弦楽器は、冒頭のフレーズをダウン→アップで締めくくったが、ダウン・ボウでフレーズの頂点を作って、次のアップ・ボウで力をフッと抜いて収めるという動きが動的でかつ自然だった。テンポ変化も自然体のもので受け入れやすい。特に印象的だったのがメヌエット楽章。主部の末尾で楽譜には無いリタルダンドをかけ、「トリオを遅く演奏するのだな」と予測させる。そして予測通り、ゆったりとしたテンポでトリオを歌う。奇をてらわない安心感があるテンポだった。ちなみに再現された主部の最後も当然リタルダンドをかけるが、こちらは楽章の歌い収めとしての落ち着きを感じた。

　

　休憩ののちは、僕がとりわけ偏愛するブルックナーの交響曲第6番。全体として、モーツァルトのメヌエットで感じたのと同じ、予測させ予測通りに変化するテンポが、ブルックナーにおいても安定感と自然体の抑揚を実現していた。例えば第2楽章では、第1主題部と第2主題部を接続するホルンのアンサンブル（Bの直前）を少し加速し、「第2主題部は速めのテンポを取るのだな」と予測させ、実際その通りのチェロが歌いやすい速めの第2主題が流れた。このホルンによるブリッジは再現部には無いが、提示部で各主題部のテンポを体験済みなので、再現部でのテンポ切り替えも違和感無く受け入れられる。各ブロックを最もふさわしいテンポで固定して不用意に揺らさないというブルックナー演奏の鉄則を、ブリッジ部分のテンポに柔軟性を持たせることで実現していたのだ。大阪フィルもブルックナーに長けたオーケストラだけあって、各ブロックの描き分けが素晴らしい。例えば第1楽章において一人でブロックの締めを担当することがあるフルートの野津臣貴博は、最後の音を丁寧に歌い収めてその任を果たしていた。また、花崎薫、サイモン・ポレジャエフが率いるチェロ、ベースの伴奏が、どの場面においても推進力があり、ブロック内に一貫性を持たせる原動力となっていた。各楽器の単なるロングトーンの音それ自体が美しいのも、まさに大阪フィルのブルックナーだ。

　また、似たフレーズの繰り返しで、微妙にオーケストレイションが変えられていることが音楽に深みを与えるのに絶大な効果を持った。例えば第1楽章冒頭は、最初のフレーズは低弦だけで演奏し、同じリズムによる次のフレーズには藤原雄一・和久田侑希による３・４番ホルンの和声が重ねられ、ハッとするような響きの豊かさが付加されていた。たったこれだけの違いでも大きな効果をもたらすのだから、同じ第1楽章の第2主題の反復が、提示よりも立体的なオーケストレイションによって比類ない効果を上げていたのは言うまでもない。

　また、飯守は作曲者の個人像を思い浮かべながら演奏している旨を、プレトークなどで聞いたことがあるが、おそらくブルックナーについては、無粋だが憎めない田舎人、といったイメージを持って演奏しているのではあるまいか。演奏上問題となる第1楽章最後のモルト・リタルダンドは、そこだけカウントを細かく振ってしっかり急ブレーキをかけた。決して洗練された演奏ではないが、それがむしろ豪放磊落なブルックナーの立ち居振る舞いを思わせた。ブルックナーに特徴的な鋭いリズムにも武骨な印象を与える力強さがあり、やはり農村出身のブルックナーらしい地に根差した力強さを感じた。また、フル・オーケストラの巨大なフォルテとは対照的な、静謐な演奏も魅力的だったが、緊張感を強いられるような極限のピアニシモでは決してなかった。むしろ「寡黙」いった雰囲気で、穏やかさすらあった。これもブルックナーの純朴な人物像からのイメージなのかもしれない。

第1楽章は、第1主題部を貫くオスティナート・リズムをそれほど鋭角的にはせず、自然体の表現。主旋律の歌を飽くまでも重視していた。僕が大好きな最初のトランペット・ソロは、篠崎孝が肉厚の音色でクレッシェンドをかけていて雄弁。また、中村拓美のティンパニは音程が良いため、オスティナート・リズムを叩いてもトレモロと同様の下支え効果があった。また、金井信之のクラリネットが、伴奏においても音響の芯となる立派な音を出していたのが印象的だった。飯守は第2主題部を6つ振りに切り替えたが、テンポ的には第1主題部と一体のように流れる。むしろ第3主題部を屹立するように強調し、その圧倒的巨大さを一層印象付けた。天国的な終盤で重要な働きをする高見信行とガイルス彩乃（客演・PAC管）の2・3番トランペットも、篠崎同様に肉厚で丸みのある音で良い。

第2楽章は、冒頭のチェロ・ベースの下降音型が雄弁。大森悠のオーボエ・ソロは音色が肉厚で、雄弁な弦の音とよく合っている。Gの直前のブリッジ部分は、音の目立つ木管以上に、宮田英恵率いる第2ヴァイオリンと木下雄介率いるヴィオラの簡潔な掛け合いが印象的で、愛らしささえ感じた。その直後からの再現部はヴィオラ（もちろん我らが岩井先生もご出演）のトレモロの活躍が圧倒的だった。といっても、ヴィオラの音が前面に出るわけではない。ブルックナーとしては異例に弦のトレモロが少ない6番において、ブルックナーの命とも言える弦のトレモロを一パートだけで体現し、音響面では内声の厚みを実現し、視覚的にも気持ちの高まりを呼び起こす。静かな感動を呼ぶこの楽章の再現部が、ヴィオラのトレモロによって支えられていることが今日の名演で実感できた。楽章終盤では、第1ヴァイオリンの下降音型（145小節目）を、須山暢大のリードで感情が放出されるように雄弁に刻印。これが冒頭の低弦の下降音型の再現となり、説得力あるループが完成した。楽章終盤の静謐な木管のユニゾンは、フルート2人に首席クラリネットも加えた3人で演奏されていることの重要性に気付くことができた。交響曲第1番の発想であれば、この楽章のためだけにフルート3本を使おうとしたいところだろう。3はブルックナーにとって三位一体を示す聖なる数字で、この木管3本のユニゾンは神の降臨を示していると言えよう。そしてこれを受けて、今度は神を希求する祈りの主題というべき上昇音型が、今日大活躍のヴィオラによって存在感をもって示された（上昇音型は、冒頭の下降音型の鏡像とも言え、形を変えて冒頭へ帰ってきたという印象を与える）。そして最後にFdurの和声が、またしても聖なる数字である3回、優しく弾かれて閉じられる。信仰告白的なストーリーを持った楽章であることに気付くことができた。

スケルツォ楽章は先行楽章とは異なり、トランペットなどが鋭角的な音を出して楽章の個性の違いを描き出す。一貫性のある推進力の中にもマルカートとスラーの違いがしっかりと描き分けられ、それが色彩感の変化となって生きていた。トリオのホルン・トリオは鋭めのリズムで、武骨な田舎人としてのブルックナーに相応しい。Dの直前は、久住雅人・日比野希美のファゴットが雄弁なクレッシェンドをかけていて生命力があった。

　フィナーレは、冒頭のヴィオラのトレモロが第2楽章での活躍を彷彿とさせ、トレモロひとつで楽章間を超えたつながりを印象付ける。突然襲ってくるホルンとトランペットのフォルテは、びっくりさせるような表現ではなく、飽くまでも流れの上に乗っている。再現部のOで金管のフォルテシモが突然出てきたとき、この冒頭がOの伏線だったのだということを実感できた。その直後の高橋将純のホルン・ソロは、柔らかな音色でいながらリズムは鋭く武骨で、農村風の広大さと力強さとがあった。全体に速めのテンポ設定で、第3主題はさらに速いテンポを取る。だがそのおかげで、展開部の静謐な部分は少しテンポを緩めるだけでも強い印象を与えた。Qの直前のヴィオラに楽譜に無いクレッシェンドをかけるのは、アクセルを吹かすような効果がある（スクロヴァチェフスキも読響で同じ表現をしていた気がする）。改訂版的発想だが、トリオのファゴットが似た表現を印象付けていたので、その再演としての説得力があった。最後の圧倒的に巨大で輝かしい和声がフェスティヴァル・ホールの巨大な空間を満たしたのち、（2日目の演奏会では）幸福感に満ちた静寂に身を置くことができた。少なくともここには確実に、光があった。この先もどこかに光があると信じても良いのではないか、そんな気持ちになれた。