♪遠藤啓輔のコンサート日記♪ 〜ショスタコーヴィチ11番2題〜

　ショスタコーヴィチの交響曲第11番を1箇月おきに聴くという、なかなかに稀有な体験ができた。

 

　先月は10月5日で井上道義指揮のNHK響（NHKホール）。遅いテンポを徹底し、全楽章を通した音楽の横への広がりが印象的な、大陸的ともいうべき演奏。そして、とにかく旋律を美しく歌うことを重視していたが、そうすることで、第2楽章などの暴力的な箇所との対比が残酷なまでに鮮明となった。第3楽章におけるヴィオラの哀歌や、フィナーレでのイングリッシュホルン池田昭子の独白は、いずれも雄弁な歌い方。とりわけ池田のソロは、前半は昔話をする老婆のように、感情が豊かでいながらも落ち着きがあったが、音域が急に高くなる後半では「あな、いたわしや無辜の民！」とでも言いながら泣き叫ぶように感情を爆発させ、その豹変ぶりに慄然とさせられた。最後の鐘は、沼尻竜典がセンチュリー響と演奏した時のように残響が自然消滅するまで鳴らしっぱなしにするスタイルもあるが、今日の道義はすぐに消音させた。まるで息の根を止められたかのような、残酷な終わり方だった。

 

　そして今月は11月11日にエリアフ・インバル指揮の東京都響（東京文化会館）。道義とは対照的な、速めのテンポ設定。そうすることで、1楽章と2楽章が一つのブロックとして一体的な印象を与えた。そして、それぞれが明確な個性を持った第3楽章と第4楽章とで、3つのブロックが鼎立するような曲全体の構成感が明白になった。さらに、1・2楽章のブロック内では、金管のファンファーレ部分では常にテンポを1段上げる、旋律はフレーズごとにメッサ・ディ・ヴォーチェを徹底する、などの抑揚を効かせ、動的な印象を一層強くした。

　対照的に第3楽章は、店村眞積率いるヴィオラのパート・ソロが感情を押し殺した静謐な演奏スタイルで徹底。１・２楽章ブロックとの残酷なまでの対比をなした。

そしてフィナーレは当然、第3楽章との違いを強調した動的な演奏スタイルを取る。とりわけコンサートマスター矢部達哉率いる弦楽器のユニゾンの、まるで暴発するように躍動的なリズムが圧倒的。東京文化会館のクリアで乾いた音響と相まって、音楽のエネルギーがダイレクトに襲い掛かってくるようだった。しかし大植圭太郎のイングリッシュホルン・ソロは、淡々とした静謐なスタイルで、第3楽章の哀歌に帰ってきたような残酷さがあった。最後の鐘は、残響を残さず早めに消音したが、道義のように一瞬に止めたのとは異なる、ほかの楽器群の残響が消えるのと合わせた自然な消音だった。この巨大で残酷な音物語は、実は一瞬の幻に過ぎなかった、とでもいうような不思議な後味が残った。

 

　ショスタコーヴィチの交響曲の中でもとりわけ愛聴する11番だが、その恐るべき底深さを再認識できた2公演で、一層この怪物的な作品が好きになった。

♪遠藤啓輔のコンサート日記♪〜2019.10.16〜

　藤岡幸夫が関西フィルと魅力的なプログラムを演奏。この斬新な選曲は全国的に注目を集めたようで、関東の常連仲間と大阪で会うという逆転現象（？）も生じた（2019.10.16。シンフォニーホール）。

　前半は藤岡得意のウォルトン作品から、ヴァイオリン協奏曲。独奏は、大阪が生んだ世界の至宝・神尾真由子。今日の演奏の特徴は、静けさ。扇情的なトリル、生気に満ちた不協和音と対照的に冷たく無機質な音響の対比など、紛れもないウォルトンならではの音楽が、静かに展開していく。交響曲やベルシャザールとはまた異なる、静かだからこその凄みがあった。

冒頭はカオスの中でオーケストラが、リズミカルな動機や上昇音型、シンコペーションなどこの曲の核となる要素を提示していくが、梅本貴子のクラリネットを先頭に、静かで柔らかな中にも明瞭な発音を伴って演奏し、動きがしっかりわかる。当初はこのオーケストラの音響に埋もれていた神尾のソロが、徐々に前面に出ていくが、圧倒的パワーで威圧するようなことはない。第1楽章は全体的に暗めの音色で、（矛盾した言い方を敢えてするが）声を上げずに慟哭するような凄みがあった。明快な形を取らないカオス的音響とテンポ変化が支配する冒頭部分が鬱々とした印象を与えていただけに、自然に流れていくコン・モートに入るとほっとした気持ちになる。また、一瞬聞かれる舞曲風の挿入が、静かな中にも強い印象を与える。冒頭にファゴットやチェロで示された上昇音型が後半になって、風早宏隆率いる弱音器付トロンボーンで再現される場面では、カオス的な響きの中にもクリアな動きが聞かれ、説得力があった。

第2楽章では、神尾は第1楽章とは対照的にスルポンティチェロ気味の張りのある音色をも多用し、多彩な色彩の妙味を見せる。一方で、静かな印象は継続され、フォルティシモが指定されたオーケストラの冒頭ですら、決して威圧的・開放的にはならない。しかも、静けさを基調にしていながら、その中にさらに強弱による遠近感を作っていたのが素晴らしい。例えば中間部の松田信洋のホルン・ソロが、主役でありながらも徐々に周囲の音響よりも音量を落としていき、主人公が遠ざかっていくような雰囲気を出したのは、スコアの読みが深い藤岡ならではのデリケートな表現だった。この楽章に頻出する変拍子は動きに自由を与えるものとして作用し、進みそうで進まない不自由さを伴っていた第1楽章と対照的な印象を与えた。

フィナーレは、端正な雰囲気と推進力とを大切にした演奏で、先行楽章とはこれまた異なる印象を与える。そうした中にも、時おり挿入される舞曲風の音楽が強い印象を与える。これはもちろん、第1楽章でも聞かれた舞曲との連続性を感じさせ、音楽に説得力を与える。そして、こうした静かで悲しげな音楽の中での舞曲は、シベリウスの「悲しきワルツ」と同様に、まるで死者と踊っているかのような印象さえ受ける。神尾のソロの背後で蠢く木管の伴奏にも、死者との円舞の残り香を感じさせる。ヴィオラによって先行提示された動機をソロがリフレインする箇所で音楽がアクセルを踏みなおし、妖艶さをも備えた後半へと転換する。そしてコーダは、金管楽器が開放感を持って（しかし音色には寂しさを漂わせて）歌うが、これに応答する神尾のソロには歯ぎしりをするような苦しさがある。この残酷なまでの対比に、戦争の不穏を背景に持った作品なのだということを思い出さされる。

地元が生んだスターによる、心の深淵にのめり込んでいくような凄みのある名演に対し、熱い大阪の聴衆はいつものような歓声の絶叫ではなく、落ち着いた拍手によって讃えた。当然である。ウォルトンの音楽と今日の演奏が、静かに訴えかけるものだからだ。成熟した大阪の聴衆は、その演奏との連続性を持った拍手によって前半を締めくくったのだ。

　後半はハチャトリアンの交響曲第2番。膨大な打楽器や2台のハープ、ピアノを駆使した豪華絢爛な楽器編成だが、それだけにかえって、シンプルな楽器の生の音が印象に残る見事なオーケストレイションであった。第1楽章は冒頭からチューブラベルを中心とした打楽器の炸裂が印象的だが、音楽が進むにつれて、中島悦子率いるヴィオラのパート・ソロや、ほかの楽器をブレンドしない木管のソロなど、楽器それ自体の音の美しさが目立つようになる。高崎雅紀（客演）のイングリッシュホルン、鈴木祐子（客演・京響）のバスクラリネットなど特殊楽器のソロも印象的だが、圧巻は星野則雄のファゴット・ソロ。悲しげな高音の悲歌から、低音のドスの効いた語りまで、多彩な表現を聞かせた。そして、「ハチャトリアンって凄い！」と思わされたのが再現部。絢爛豪華に提示された冒頭主題が、再現部ではほぼ弦楽器のみで演奏されたのだ。これによって、弦楽器の音色の美しさと、ハチャトリアンの旋律の美しさとが同時に強調された。コンサートマスター岩谷祐之率いる弦楽器は、弱音器を付けてのフォルテなど、弦楽器だけで多様な音色のパレットを持つことを見事に示してくれた。ハチャトリアンの旋律は、簡潔なリズムの中に時おり挿入された装飾音符が妖艶な色彩感を放っている。そして楽章の最後は、ハープの強烈な不協和音が不思議な印象を残す。

　第2楽章はスケルツォで、3段階ほどにテンポを変換する自由さが魅力だ。この楽章でも、遅いテンポを取る中間部がほぼ弦楽のみで演奏されるなど、（絢爛豪華なオーケストラだからこそ）シンプルな楽器の音の魅力が光る。

　第3楽章はロマン派にありがちな雄大な緩徐楽章ではなく、ハイドンに先祖返りしたかのような、端正だが動的なテンポの音楽。しかし紛れもなくこの曲の白眉である。冒頭はハープとピアノの不協和音が不気味な印象を与える。第1楽章最後の不穏が、第2楽章での伏流を終えて、ここでまた噴出したのだ。そして、伴奏が十字架音型風に蠢いていたが、やがてそれがグレゴリオ聖歌の『怒りの日』の形をはっきりと取る。そして、グレゴリオ聖歌と、ホルンのヒロイックな旋律が、まるで異種平行のように並置された。ソヴィエト時代の作曲当時、為政者は宗教を敵視していたはずだ。そんな時にあからさまな宗教音楽の引用をするのは、かなり勇気のいることだったのではないだろうか？　そうすると、対置されたホルンの主題も何かの暗号ではないか、と勘繰りたくなってくる。クライマックスは暴力的な大音響となるが、そんな中でも藤岡は、音程をしっかり取って旋律線を浮かび上がらせ、音楽としての流れをきちんと表現する。

　フィナーレは白水大介率いるトランペット3本のみのファンファーレから始まるが、決して「華麗」「きらびやか」といったものではなく、土俗的で暗鬱な雰囲気を漂わせたものであった。ハチャトリアンが何か単純では済まない考えを腹に納めながら作曲していたことを思わせる。僕は、ハチャトリアンは『仮面舞踏会』組曲しか演奏していないこともあって、真剣に勉強したことがなかったが、ショスタコーヴィチと同様に深追いし甲斐のある作曲家であるように思われた。

　最後は大阪の聴衆が、この作品と力演にふさわしく、歓声の絶叫と熱い拍手で締めくくった。

♪遠藤啓輔のコンサート日記♪〜2019.09.23〜

　オーケストラ・エクセルシスの第10回演奏会、今回はポーランド特集。指揮は常任指揮者の大浦智弘（2019.09.23　杉並公会堂・大ホール）。

　1曲目はモニューシュコ作曲の歌劇『パリア』序曲。

　冒頭はホルンの轟然たる刻みを中心とした荒々しい音楽が凄まじい。曲目解説によれば悲劇のオペラらしいが、不条理に対する怒りがこもっているようだ。これが中間部になると柔らかな歌に変貌する。各々のフレーズ収めがルバートされるが、そこに自然な呼吸がある。指揮の大浦はオペラでも業績を積んでいるマエストロで、さすがの表現力である。弦のトップ・ソロも美しいが、あとからそっと加わるオーケストラの和声もまた優しく温かい。後半は荒々しい主部が再現される。最後は加速するが節度があり、音楽の構築的美しさを損なうことがなかった。

　2曲目はドヴァリョーナス作曲のヴァイオリン協奏曲。ソロは楽団のコンサートマスターでもある小山啓久。

　ヴァイオリン協奏曲でありながらホルン独奏から始まるという斬新な作品。このホルン独奏が仄暗い音色でグレゴリオ聖歌風の旋律を吹き上げ、いきなり宗教的厳粛さを実現する。多様な変化に富んだ作品で、第1楽章だけでも交響曲の4楽章分の表現が凝縮されているようだ（スケルツォ風の部分における木管の下降音型が美しい）。だが、常に冒頭で示された宗教的厳粛さが支配しており、全体の一体感がある。時折挿入される村祭り風の賑やかな音楽も、午前のミサを終えた午後に饗宴をひらく村の習慣を考えれば、これも宗教的厳粛さの一環として腑に落ちる。オーケストラをバックにしない小山の長大なソロ箇所も多々あるが、装飾音符の色彩感をきらめかせながらも、常に冒頭と同じ厳粛さが基調にある。また、オーケストレイションが独特で、ブレンドしない管楽器の生々しい音色の魅力を強調している。（トロンボーンを足さない）ホルンだけ、（ホルンを足さない）トロンボーンとテューバだけ、（ホルンを足さない）木管だけ、の響きが生々しい音色の魅力を醸し出す。第2楽章もクラリネット・ソロで始まる。その後もファゴット2本のみの美しさなどが引き立たされる。こうした素朴なオーケストレイションの中にあってピッツィカートの表現を工夫。ヴァイオリンのみによるピッツィカートをヴィヴラートをかけずに水滴のような簡潔さで始めるが、これに中・低弦が加わっていくにつれてピッツィカートの響きの豊かさを増していくという、深みの増大を見せた。2楽章終盤では小山のソロが印象的に転調され、シンバルが鳴り響く豪壮な終楽章を説得力持って導いた。

　ソリストによるアンコールはヴァインベルク作曲のソナタ第2番の第1楽章で、分散和音の妖艶な色彩感と、洒脱な終わり方が印象的。

　後半はシャルヴェンカ作曲の交響曲。冒頭、ホルンの一音のみから始まって拡大するパセージが、説得力を持って何度も再帰する。力強い第1主題と歌謡的な第2主題が用いられるのは伝統的形式感によく則っているが、驚かされるのは、各楽章とも総休止による切断がほとんどないこと。曲目解説にある「ヴァーグナーの影響」という記述に納得がいく。そして、伴奏音型が、場面場面で個性がある。ヴィオラの単純な刻みだったかと思えば、第2ヴァイオリンの分散和音に変わったり、シンコペーションまで伴った第1ヴァイオリンによる伴奏になったりもする。音楽の骨格である伴奏を追いかけているだけでも楽しい、骨太な交響曲であった。また、序盤で提示された要素が終盤に入って前面に出るなど、全体を通しての説得力あるつながりがあった。たとえば、第1楽章の序盤でティンパニがさりげなく、しかし印象的にベートーベン5番の冒頭音型を叩き、「これが後々に重要な働きをするのではないか」と予感させる。そして実際、第4楽章でこの音型の拡大形が第1ヴァイオリンで力強く示され、この音型の変化形とも言える6連符をホルンが執拗に繰り返す。第2楽章の舞曲ではこの楽章のためだけに用意されたトライアングルが素朴な味わいを出す。緩徐楽章の第3楽章は、最後の金管の柔らかな響きに包まれるようで幸福感がある。第4楽章は冒頭で示された激しい跳躍を伴う逞しい音型で全体がまとめられた。

　最後はアンコール2曲という贅沢さ。最初は冒頭と同じモニューシュコ作曲の歌劇『ハルカ』の舞曲。ホルストの「火星」のような攻撃的な開始が印象的で、打楽器の炸裂を伴う土俗的な力強さを備えていた。

　2曲目はキラール作曲の弦楽作品『オラヴァ』で、今日聴いた中で唯一聴き覚えがある曲（笑）。伊福部昭を思わせる快活で変拍子が楽しい要素が、コンサートマスターや末席奏者など数人のソロによってはじめられ、やがて人が増えていって弦全体へと拡大する。この波を何度も繰り返す。響きは常に瑞々しく神秘的で、無限の波が永遠に繰り返されるようにさえ思われる幸福感に満たされ、最後は掛け声によって締めくくられた。

　オーケストラ・エクセルシスは、いい作品をいい演奏で聴かせてくれる、実に安心して聴け、最高に楽しめるオーケストラだ。今年も存分に楽しむことができた。