2020年11月19日

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.11.13・14

大阪フィル定期に音楽監督の尾高忠明が帰ってきた(2020.11.13・14、フェスティヴァル・ホール)。
 1曲目は尾高得意の20世紀イギリス音楽から、グレイス・ウィリアムズの『海のスケッチ』。弦楽のみの作品だが、各パートがポリフォニックに独自の動きをしていて、分厚いオーケストラのような聴き応えがある。とりわけサイモン・ポレジャエフがリードするコントラバスは、ただ刻んでいるだけでも存在感がある。旋律線の妖艶な動きや、メロディーに仕込まれたシンコペーション、そして要所を締めるユニゾンに意外性があり、人知を超えた海の様相が見事に描かれている。5楽章からなる作品だが、尾高がこれを選んだのは後半のマーラー5番に合わせてのことだろうか? マーラー5番が第3楽章に特別な重みがあるのと同様、『海のスケッチ』も「セイレーン海峡」と題された第3楽章が特別な印象を残す。各パートのトップ奏者(チェ・ムンス、田中美奈、木下雄介、近藤浩志)が弾くソロが妖しい魅力を放っており、これらが魔性の妖精たちを表現していることが容易に連想された。
 後半はマーラーの交響曲第5番で、自発性のある生命力があふれる大フィルの真骨頂が遺憾なく発揮された。象徴的だったのは第3楽章や第5楽章に挿入されたフーガの表現。遅れて入る各パートがいずれも、待ちきれずに飛び乗るようなスピード感をもって突撃し、生命力が暴発するかのような迫力を見せた。全体を通して、スフォルツァンドやスビート・ピアノの入れ方にしなやかなうねりがあり、生命体がのたうち回っているような凄まじい印象を受けた。こうした荒々しさとは裏腹に、副旋律群や背後を支える和声が実に丁寧に描かれていたのも、今日の名演を支えた要因だろう。近景で生き生きと動き回る主旋律の背景に、落ち着いた風景が見えているようで、遠近感があった。そして何と言っても、力を抜くべきところで抜けていたのが今日の演奏の最大の特長であった。第1楽章の葬送行進曲におけるダラッとした虚脱感、第3楽章の室内楽的な舞曲における力みのない軽やかさが印象的で、だからこそ、フル・オーケストラが全力で切り結ぶ場面との対比が鮮明になり、その緩急が音楽に熱い血を送るポンプのような働きをしていた。
 1・2楽章と4・5楽章をアタッカで演奏することで、3部構成であることを明確に示し、長大な曲の把握を分かりやすくしていた。第1部はとりわけ第2楽章が印象的。コラールを歌い出しては邪魔される、という動きが繰り返され、ようやく長いフレーズのコラールが成立しても消化不良感を残していたのが後半に向けて後を引いた。
中央に位置するスケルツォは、主部とトリオの輪廻のような繰り返しが、徐々に無限地獄のような様相を呈してくる。この膨大な音楽に一本の串を通していたのは、もちろん高橋将純の雄渾なホルン・ソロだ。この楽章はスケルツォとしては破格の巨大さだが、このような怪物的スケルツォには前例がある。ロットだ。第2交響曲と同様にこの第5交響曲も、マーラーがロットから受けた多大な影響が反映した作品だと確信した。
第3部前半のアダージェットは、平野花子のハープが強めのアタックで、原始的な琴のような印象を醸し出した。魑魅魍魎が蠢くような原始的な印象のある第1楽章とパラレルな関係にあることを感じた。そしてフィナーレの第5楽章では、やはりパラレルな関係にある第2楽章で消化不良に終わったコラールが、篠崎孝のトランペットを中心とした輝かしい響きで、ようやく壮麗な頂点を作る。このコラールを茶化してしまうお祭り騒ぎのようなコーダに、僕はいつも納得がいかない。しかし今日は理解できた。第2楽章でのコラールの否定、そしてスケルツォでの無限地獄、これらを経験した後で聴くフィナーレのこのコラールは、苦労に苦労を重ねてたどり着いた救済だ。しかしマーラーは、ようやく到達したそのゴールに納得できず、せっかくの救済を否定するために馬鹿騒ぎのようなコーダを敢えて書いたと感じた。いわば第4交響曲のフィナーレ -希求していたはずの天国にたどり着いてみると、その能天気さに幻滅してしまったかのような音楽- と地続きにあることを感じさせた。これらの作品は、救済を求めつつ、しかし本当に救済されてしまうことを何故か忌避してしまう、マーラーの矛盾を抱えた複雑な心性が現れた作品なのだ、と腑に落ちた。
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2020年07月25日

遠藤啓輔のコンサート日記(2020.07.22・23)

 大阪フィルにブルックナーの響が帰ってきた! 指揮は飯守泰次郎。関西人にはおなじみの両者だが、この邂逅は僕には初めての体験。全国的にも注目を集めたのか、いつもは東京で会う音楽愛好者仲間と大阪で出会うという逆転現象も起きた(2020.07.22・23。フェスティヴァル・ホール)。
 1曲目はモーツァルトの『ハフナー』交響曲。冒頭の音を聴いた瞬間から、関西フィルでの飯守とは明らかに異なる音に驚かされた。指揮者によって響きを器用に変える関西フィルは、飯守が登壇した時は、噛めば噛むほど味が出る硬いパンのような渋い響を出し、このコンビならではの魅力となっている。対してどんな指揮者が来ても楽団独自の響を変えない大阪フィルは、飯守が指揮台にいても大フィルならではの瑞々しく深い響きを出した。結果、飯守ならではの力強い巨大な音楽の流れが瑞々しい響きによって生み出されるという初めての体験になった。今日はさらに、奏者間の隙間を大きくとって広く陣取っていたこともあって、木管楽器が音のカーテンを大きく広げているように感じられた。秋月孝之・高見信行のトランペットも、金管というよりもこの木管の響に要素として溶け込んでいた。
飯守のモーツァルトは旋律の歌い方に抑揚がある。例えば弦楽器は、冒頭のフレーズをダウン→アップで締めくくったが、ダウン・ボウでフレーズの頂点を作って、次のアップ・ボウで力をフッと抜いて収めるという動きが動的でかつ自然だった。テンポ変化も自然体のもので受け入れやすい。特に印象的だったのがメヌエット楽章。主部の末尾で楽譜には無いリタルダンドをかけ、「トリオを遅く演奏するのだな」と予測させる。そして予測通り、ゆったりとしたテンポでトリオを歌う。奇をてらわない安心感があるテンポだった。ちなみに再現された主部の最後も当然リタルダンドをかけるが、こちらは楽章の歌い収めとしての落ち着きを感じた。
 
 休憩ののちは、僕がとりわけ偏愛するブルックナーの交響曲第6番。全体として、モーツァルトのメヌエットで感じたのと同じ、予測させ予測通りに変化するテンポが、ブルックナーにおいても安定感と自然体の抑揚を実現していた。例えば第2楽章では、第1主題部と第2主題部を接続するホルンのアンサンブル(Bの直前)を少し加速し、「第2主題部は速めのテンポを取るのだな」と予測させ、実際その通りのチェロが歌いやすい速めの第2主題が流れた。このホルンによるブリッジは再現部には無いが、提示部で各主題部のテンポを体験済みなので、再現部でのテンポ切り替えも違和感無く受け入れられる。各ブロックを最もふさわしいテンポで固定して不用意に揺らさないというブルックナー演奏の鉄則を、ブリッジ部分のテンポに柔軟性を持たせることで実現していたのだ。大阪フィルもブルックナーに長けたオーケストラだけあって、各ブロックの描き分けが素晴らしい。例えば第1楽章において一人でブロックの締めを担当することがあるフルートの野津臣貴博は、最後の音を丁寧に歌い収めてその任を果たしていた。また、花崎薫、サイモン・ポレジャエフが率いるチェロ、ベースの伴奏が、どの場面においても推進力があり、ブロック内に一貫性を持たせる原動力となっていた。各楽器の単なるロングトーンの音それ自体が美しいのも、まさに大阪フィルのブルックナーだ。
 また、似たフレーズの繰り返しで、微妙にオーケストレイションが変えられていることが音楽に深みを与えるのに絶大な効果を持った。例えば第1楽章冒頭は、最初のフレーズは低弦だけで演奏し、同じリズムによる次のフレーズには藤原雄一・和久田侑希による3・4番ホルンの和声が重ねられ、ハッとするような響きの豊かさが付加されていた。たったこれだけの違いでも大きな効果をもたらすのだから、同じ第1楽章の第2主題の反復が、提示よりも立体的なオーケストレイションによって比類ない効果を上げていたのは言うまでもない。
 また、飯守は作曲者の個人像を思い浮かべながら演奏している旨を、プレトークなどで聞いたことがあるが、おそらくブルックナーについては、無粋だが憎めない田舎人、といったイメージを持って演奏しているのではあるまいか。演奏上問題となる第1楽章最後のモルト・リタルダンドは、そこだけカウントを細かく振ってしっかり急ブレーキをかけた。決して洗練された演奏ではないが、それがむしろ豪放磊落なブルックナーの立ち居振る舞いを思わせた。ブルックナーに特徴的な鋭いリズムにも武骨な印象を与える力強さがあり、やはり農村出身のブルックナーらしい地に根差した力強さを感じた。また、フル・オーケストラの巨大なフォルテとは対照的な、静謐な演奏も魅力的だったが、緊張感を強いられるような極限のピアニシモでは決してなかった。むしろ「寡黙」いった雰囲気で、穏やかさすらあった。これもブルックナーの純朴な人物像からのイメージなのかもしれない。
第1楽章は、第1主題部を貫くオスティナート・リズムをそれほど鋭角的にはせず、自然体の表現。主旋律の歌を飽くまでも重視していた。僕が大好きな最初のトランペット・ソロは、篠崎孝が肉厚の音色でクレッシェンドをかけていて雄弁。また、中村拓美のティンパニは音程が良いため、オスティナート・リズムを叩いてもトレモロと同様の下支え効果があった。また、金井信之のクラリネットが、伴奏においても音響の芯となる立派な音を出していたのが印象的だった。飯守は第2主題部を6つ振りに切り替えたが、テンポ的には第1主題部と一体のように流れる。むしろ第3主題部を屹立するように強調し、その圧倒的巨大さを一層印象付けた。天国的な終盤で重要な働きをする高見信行とガイルス彩乃(客演・PAC管)の2・3番トランペットも、篠崎同様に肉厚で丸みのある音で良い。
第2楽章は、冒頭のチェロ・ベースの下降音型が雄弁。大森悠のオーボエ・ソロは音色が肉厚で、雄弁な弦の音とよく合っている。Gの直前のブリッジ部分は、音の目立つ木管以上に、宮田英恵率いる第2ヴァイオリンと木下雄介率いるヴィオラの簡潔な掛け合いが印象的で、愛らしささえ感じた。その直後からの再現部はヴィオラ(もちろん我らが岩井先生もご出演)のトレモロの活躍が圧倒的だった。といっても、ヴィオラの音が前面に出るわけではない。ブルックナーとしては異例に弦のトレモロが少ない6番において、ブルックナーの命とも言える弦のトレモロを一パートだけで体現し、音響面では内声の厚みを実現し、視覚的にも気持ちの高まりを呼び起こす。静かな感動を呼ぶこの楽章の再現部が、ヴィオラのトレモロによって支えられていることが今日の名演で実感できた。楽章終盤では、第1ヴァイオリンの下降音型(145小節目)を、須山暢大のリードで感情が放出されるように雄弁に刻印。これが冒頭の低弦の下降音型の再現となり、説得力あるループが完成した。楽章終盤の静謐な木管のユニゾンは、フルート2人に首席クラリネットも加えた3人で演奏されていることの重要性に気付くことができた。交響曲第1番の発想であれば、この楽章のためだけにフルート3本を使おうとしたいところだろう。3はブルックナーにとって三位一体を示す聖なる数字で、この木管3本のユニゾンは神の降臨を示していると言えよう。そしてこれを受けて、今度は神を希求する祈りの主題というべき上昇音型が、今日大活躍のヴィオラによって存在感をもって示された(上昇音型は、冒頭の下降音型の鏡像とも言え、形を変えて冒頭へ帰ってきたという印象を与える)。そして最後にFdurの和声が、またしても聖なる数字である3回、優しく弾かれて閉じられる。信仰告白的なストーリーを持った楽章であることに気付くことができた。
スケルツォ楽章は先行楽章とは異なり、トランペットなどが鋭角的な音を出して楽章の個性の違いを描き出す。一貫性のある推進力の中にもマルカートとスラーの違いがしっかりと描き分けられ、それが色彩感の変化となって生きていた。トリオのホルン・トリオは鋭めのリズムで、武骨な田舎人としてのブルックナーに相応しい。Dの直前は、久住雅人・日比野希美のファゴットが雄弁なクレッシェンドをかけていて生命力があった。
 フィナーレは、冒頭のヴィオラのトレモロが第2楽章での活躍を彷彿とさせ、トレモロひとつで楽章間を超えたつながりを印象付ける。突然襲ってくるホルンとトランペットのフォルテは、びっくりさせるような表現ではなく、飽くまでも流れの上に乗っている。再現部のOで金管のフォルテシモが突然出てきたとき、この冒頭がOの伏線だったのだということを実感できた。その直後の高橋将純のホルン・ソロは、柔らかな音色でいながらリズムは鋭く武骨で、農村風の広大さと力強さとがあった。全体に速めのテンポ設定で、第3主題はさらに速いテンポを取る。だがそのおかげで、展開部の静謐な部分は少しテンポを緩めるだけでも強い印象を与えた。Qの直前のヴィオラに楽譜に無いクレッシェンドをかけるのは、アクセルを吹かすような効果がある(スクロヴァチェフスキも読響で同じ表現をしていた気がする)。改訂版的発想だが、トリオのファゴットが似た表現を印象付けていたので、その再演としての説得力があった。最後の圧倒的に巨大で輝かしい和声がフェスティヴァル・ホールの巨大な空間を満たしたのち、(2日目の演奏会では)幸福感に満ちた静寂に身を置くことができた。少なくともここには確実に、光があった。この先もどこかに光があると信じても良いのではないか、そんな気持ちになれた。
posted by シャーリー at 10:05| Comment(0) | 遠藤啓輔のコンサート日記 | 更新情報をチェックする

2020年07月20日

遠藤啓輔のコンサート日記 2020.07.17

 関西フィルの舞台に首席指揮者・藤岡幸夫が帰ってきた(2020.07.17。シンフォニー・ホール)。
 1曲目はチャイコフスキーの弦楽セレナーデ。冒頭、瑞々しく扇情的な響きに魅了されると同時に、6つに細かく振る藤岡の指揮姿も印象的。これらから、ショスタコーヴィチの『レニングラード』第3楽章冒頭を連想した。ショスタコーヴィチのもっとも美しく悲痛な響きの源泉になっているとは、チャイコフスキーはやはり偉大なのだろう。各楽章の終盤では中島悦子率いるヴィオラが肉厚な音色でコラール風の動機を強く印象付け、音楽の充実感を増す。また、3楽章までの各楽章はいずれも3拍子系で書かれていることを活かして、自然な生命の律動がある演奏をしていた。対照的に2拍子のフィナーレは、躍動的でありながらも硬質で構築的印象を与えた。第1ヴァイオリンの刻みの背後からセカンドヴァイオリンの旋律がにじみ出てくる様も迫力があり、音高順配置もまた独自の面白さがあると感じた。赤松由夏のリードでクレッシェンドの方向性がしっかりしていて、フレーズにメリハリがあった。

 休憩をはさんで後半は、藤岡の十八番であるシベリウス。関フィルが誇るリーダー岩谷祐之がソリストとして登場し、ヴァイオリン協奏曲の改訂稿を演奏。岩谷のヴァイオリンと言えば、シュトラウスの『4つの最後の歌』の終曲における、諦念と開放感が一体となった見事なソロが忘れられない。
 冒頭、刻みを敢えて揃えずに表現した静かなさざ波の上を、やはり静かに岩谷のソロが立ち上がる。線の細い音でポルタメントやハーモニクス的音色が利いており、怪にして妖。日本のシベリウス受容史の画期の一つであるヴァンスカ/ラハティ響のツィクルスで聴いた、クーシスト弟の演奏によく似ている。岩谷はソロだけで動く部分は、小節線を感じさせない自由な動きをしつつもそこに流れがある、まるで武満のような音楽を展開していく。こうした表現をすると律動的なオーケストラ部分との接続が問題になり、下手な演奏だとソロとオケの無秩序な継ぎ接ぎになりかねない。しかし流石はシベリウスを十八番とする藤岡、両者の往来が実にスムーズで一体感がある。むしろ、時間が制止したような音楽(ソロ部分)と律動的な音楽(オケ部分)が一つの宇宙を形成する、交響曲とも音詩とも異なる唯一無二の位置を占めるシベリウス作品としてヴァイオリン協奏曲が君臨したように思われた。僕がこの曲の改訂稿が好きになれない理由の一つは音楽として整い過ぎているのが物足りないからだが、シベリウスに入れ込んだ演奏家の手によればこれほどまでに途方もない異次元の音楽になり得ることに驚いた(同時に、藤岡がもしも初稿を指揮したらどこまで途方もない音楽になるのだろうか、と興味が湧く)。岩谷は、1楽章のソロの見せ場であるラルガメンテでも静かなスタイルを維持、よって、力強さではなく妖艶さが際立つ。むしろここで力強さが際立ったのは中島悦子のヴィオラ・ソロ。岩谷が奔放な野生児であるとすれば、中島はそれを人知れず見守る森の神のような威厳あるイメージが湧く。さらに、3回繰り返される中島のソロの終わり部分に驚かされた。Fの音につけられていたフラットが、3回目のみナチュラルになることで、メロディーがフワッと明るくなる効果が絶大だったのだ。厳めしい顔をしていた森の神が、去り際に突然表情を崩して柔和な笑顔を見せたようなイメージが湧いた。半音1個の違いだけでこれほどの効果を出す、シベリウスの凄さを改めて思い知らされた。藤岡と何度もシベリウスを共演してきた関フィルは、音それ自体にシベリウスならではの美しさが出ている。例えば、岩谷のソロを支えるコントラバスやホルン、オーケストラの背後に流れるトランペットなど、静かなロングトーンにシベリウス独特の空気感を表現する美しさがあった。そしてもちろん、シベリウス独特の和声も妖艶に決めていた。
 第2楽章はヴァイオリンの無伴奏部分が無いので第1楽章のような途方もない巨大さにはなり得ないが、はやり岩谷は音楽という次元を超越した表現をしていた。例えばこの楽章に頻出するメッサ・ディ・ヴォーチェがついた短い動機は、音楽というよりも言葉を語っているように感じられた。
 第3楽章は静謐だった前2楽章とは対照的な力強さが目立つ。岩谷は、音量は前楽章と同様に静かなまま、音質を硬質なテヌートにすることで、静けさの中に秘めた力強さを実現(「シス」を表現しているようだ!)。そしてオーケストラの力強さも印象的。例えば、ゲシュトップ・ホルンが豪放に強調されたが、それに合いの手を入れる低弦の力強さがホルン以上に印象的で凄まじい野性味があった。また、この楽章に特徴的な、弦の第1プルトのみによるリズム伴奏に、トゥッティに勝る力強さがあった(各人の音がクリアに際立つからか)。一方で、フィナーレに相応しく、先行楽章を彷彿とさせる表現も有った。例えば印象的なソロのハーモニクスは、楽譜の指示とは関係なくハーモニクス的な表現を多用していた1・2楽章に回帰したような印象を受けた。岩谷の個性的な表現が、見事に説得力ある音楽へと結実していたのだ。また、前進しようとするオーケストラの伴奏に対し、岩谷のソロがブレーキをかけるように遅く演奏しようとする部分も印象的だった。モーツァルトなどのコンチェルトでこれをやられたら興醒めだが(これがまた多いんだ!)、今日の場合は音楽の説得力につながっていた。なぜなら、第1楽章でソロとオケが全く異なる時間軸を生きる表現をしたからであり、それらをフィナーレにおいて並行させたのがこの表現だ、と感じたからである。
 とことんまで愛し抜いたつもりでいても、まだまだ気付いていなかった魅力が膨大にある。シベリウス愛好者で良かった、と改めて思った。
posted by ひつじ at 18:42| Comment(0) | 練習風景 | 更新情報をチェックする